Mi proyecto inicial partía de un deseo legítimo: publicar viñetas de humor gráfico político en X (Twitter) para provocar reflexión y diálogo. Pero lo imaginaba como una actividad casi solitaria: yo dibujaba, la gente veía. Tras iniciar la deriva en la red y dialogar documentalmente con Manel Fontdevila, he comprendido que el contexto digital es un entramado de relaciones, tensiones y reglas que condicionan el sentido de mi trabajo. El proyecto ha tenido que reformularse en varios aspectos.

 El formato y la gramática visual
Fontdevila habla del uso del blanco como “espacio relajante” frente al “abigarramiento” de la web, y de la necesidad de que la viñeta se entienda “al primer vistazo”, incluso en móvil. Aplicando esto, he simplificado la composición, aumentado los fondos blancos y revisado la legibilidad de los textos. El cambio ha sido evidente: mis viñetas ahora respiran y se distinguen mejor en el timeline.

El tipo de humor y la adaptación al contexto
Dos ejemplos recientes me han hecho tomar conciencia de la importancia del contexto. Una viñeta sobre Trump, con un tono crítico hacia su figura, funcionó muy bien: se compartió, generó debate y cruzó fronteras. El humor internacional, al no chocar con sensibilidades locales, encontró un ecosistema favorable. En cambio, otra viñeta sobre la subida del IVA, donde representé a un ciudadano apretándose el cinturón, apenas tuvo repercusión. El contexto nacional actual –con una ciudadanía cansada de medidas económicas– hizo que el chiste se percibiera como previsible o poco novedoso.

Fontdevila advierte que competir con el humor espontáneo de internet (memes, viralidad inmediata) es una batalla perdida; propone ofrecer “algo distinto”, con más elaboración y reflexión. A raíz de esto, he dejado de buscar solo la risa fácil y ahora intento que cada viñeta tenga una capa crítica que invite a pensar, sin renunciar al dibujo cuidado. En la práctica, esto significa que el chiste de Trump funcionó no solo por su inmediatez, sino porque planteaba una lectura más allá del titular. El del IVA, en cambio, se quedó en la anécdota y no conectó con una reflexión más profunda.

La relación con los lectores y los límites
Fontdevila también me hizo pensar en los límites: legales, editoriales y personales. “Si se me ocurre un chiste machista o racista, no lo uso”, dice. Tras leerlo, he verbalizado mis propios límites y he dejado de mirar obsesivamente los comentarios. Antes sentía la tentación de adaptar mi trabajo a lo que parecía gustar a los mismos pocos usuarios; ahora uso los datos de engagement solo para entender qué conversaciones generan diálogo, no para modificar mi línea.

Nuevos agentes y artefactos
El sociograma que he elaborado refleja agentes que antes no consideraba: el algoritmo (que filtra y amplifica), los trolls, otros humoristas con los que he comenzado a interactuar. También he ampliado los artefactos: ya no publico solo viñetas sueltas, sino hilos que explican el contexto y respuestas a conversaciones iniciadas, porque he comprobado que el diálogo genera más interacción.

En conjunto, la exploración no ha invalidado mi deseo inicial, pero lo ha transformado. El proyecto ya no es solo un conjunto de viñetas, sino un dispositivo relacional que se construye en diálogo con el medio, con otros agentes y con una reflexión ética sobre el humor. Como dice Fontdevila, en internet “voy improvisando sobre la marcha, sigo probando cosas”. Y esa actitud de exploración constante es, probablemente, el mayor aprendizaje.

Mi proyecto consiste en una serie de viñetas de humor gráfico político que publico en X (Twitter). A través de ellas exploro las dinámicas de conversación, la respuesta del algoritmo y las relaciones que se tejen con otros agentes en el ecosistema digital.

La bitácora funciona como diario de campo de este proceso. En ella registro día a día las decisiones creativas, las interacciones con seguidores y otros humoristas, los datos de engagement en función de los hilos a los que respondo, y las reflexiones sobre el impacto de cada viñeta. También recojo material de referencia: capturas de pantalla, bocetos descartados, artículos sobre humor político y entrevistas a referentes como Manel Fontdevila, cuyo discurso sobre la adaptación al medio digital y los límites del humor ha sido clave para repensar mi propia práctica.

La documentación se organiza en el Drive de la asignatura en carpetas que incluyen el diario de campo, el registro visual de las publicaciones, los materiales consultados y la ficha del agente. Toda esta información será la base para la elaboración del sociograma, donde se visualizarán las relaciones, tensiones y oportunidades que configuran el contexto real de mi proyecto.

Enlace al diario: https://drive.google.com/file/d/1FUvASLFhjkQgCojhVMc2o1pmFlDuslqg/view?usp=drive_link

Enlace a la carpeta : https://drive.google.com/drive/folders/1U-WRewjsnSzz7YDAsFmg-aLiELCVEkgl?usp=drive_link

En negativo, contrastes, paradojas y fantasías de Barcelona

El proyecto parte de los espacios urbanos de la ciudad, barrios, calles, edificios, parques, playas y puntos de interés, como escenarios habitados, compartidos y transitados donde lo cotidiano convive permanentemente con lo extraño. Los barrios como comunidades y núcleos de asociación y colectivismo, pero también, como nodos de tensiones sociales y pequeñas fronteras culturales. Las calles como tránsito y vida, pero también como confusión y caos. Los edificios como puntos importantes de conexión con la historia y la vanguardia, pero también como entes funcionales e impersonales.

En este mapa de realidades opuestas, es donde se desarrolla el proyecto en negativo, que toma la ciudad de Barcelona como materia prima.

Si en un principio, la idea se asentaba sobre el collage y la fotografía, siempre recogiendo las situaciones contradictorias que existen en la ciudad, en un nuevo giro, el proyecto se traslada al surrealismo y la ilustración, construyendo, de alguna manera, esas situaciones más allá de la imagen real y elaborando un escenario imaginario para cada una de ellas.

Desde este punto de partida, el objetivo del proyecto es encontrar la manera de visibilizar esa idea, de mirar la ciudad al revés, poner el foco en lo que la imagen convencional no muestra, desarrollar la paradoja, el contraste junto a un imaginario fantástico y más cerca de la ilustración y el collage que de la fotografía periodística.

En este sentido, el cambio de rumbo más significativo del proyecto es su aproximación al mundo del cómic como lenguaje y como iconografía. Para ello, he tomado como referencias algunas obras icónicas que tienen como escenario grandes ciudades y lugares míticos o significativos. Los trabajos de Javi Aznárez, Moebius o Art Spielman, ilustradores y autores que construyen mundos alternativos, me han ayudado a darle el giro necesario al proyecto para compactar el mensaje y entender los espacios de acción como una fuente vital para el desarrollo de las historias.

Tras la búsqueda de referencias, he escogido a Javi Aznárez como agente referencial para una entrevista simulada a partir de los fragmentos de otras entrevistas publicadas. Este artista cmuestra muy bien cómo se puede convertir lo cotidiano en un territorio inquietante, dejando también de la mano de lo absurdo la mayoría de las líneas narrativas. Su imaginario, puede establecer con mi proyecto un dialogo de apoyo que intuyo me va a acompañar a lo largo del proceso creativo.

Para ajustar la realización del proyecto dentro de un tiempo de materialización  coherente y evitar que la deriva se extienda más lejos de lo deseado, he trazado calendario aproximado que puede, lógicamente, variar según se avance en las distintas fases, pero que se define en cuatro bloques importantes: el trabajo de campo inicial, con la toma de imágenes; el trabajo de estudio con las primeras pruebas y bocetos; la fase de producción, en la que se llevaran a cabo también tareas de gestión con empresas de impresión y maquetación y finalmente, la exposición de la obra completa.

Paralelamente, será necesario realizar todas las acciones que requiere la puesta en marcha del proyecto, tales como activar la difusión en redes y la publicidad en círculos artísticos y sociales, establecer las relaciones posibles con instituciones tanto públicas como privadas para encontrar espacios expositivos idóneos y tramitar los posibles permisos, en caso de que estos se requieran para el uso de algunos edificios o propiedades privadas.

enlaces al fondo documental: https://drive.google.com/drive/u/1/folders/1ylRuY__BORoiFRmzTYIBjCSgH5eAJ58U

Hola a tod@s!

Adjunto el sociograma. Un abrazo!

Este sociograma no surge como una representación cerrada del contexto, sino como un dispositivo de deriva. Se construye desde una práctica situada, cercana a la propuesta de Guy Debord, donde el conocimiento no precede al recorrido, emerge en él. No se trata de cartografiar un territorio ya conocido, sino de dejar que el propio desplazamiento revele sus tensiones, sus ritmos y sus zonas de opacidad.

En mis incursiones en el parque apenas he encontrado interlocutores. La colina transita entre la calma y el abandono, y quienes la habitan no se sienten convocados por el diálogo. Me he puesto en contacto con la asociación de vecinos y vecinas del barrio, pero no he obtenido respuesta. Este silencio, lejos de ser un obstáculo, empieza a configurarse como una materia de trabajo. Quizá deba asumir la fragilidad, el silencio y la imposibilidad como parte constitutiva del proyecto. En lugar de forzar un relato testimonial, construir una narrativa no lineal, poética, basada en aquello que resiste sin nombre: un diálogo desde lo precario, sin nostalgia, atento a lo residual.

En este desplazamiento, mi posición se acerca a la figura del paseante descrita por Zygmunt Bauman. Frente a otras formas de relación con el contexto, el paseante se mueve sin un destino fijo, abierto a la contingencia. Mi práctica se sitúa ahí: más cerca de quien observa, registra y ensaya posibles montajes, que de alguien que impone una narrativa previa. Esta posición implica también una toma de postura ética: sostener una práctica que no utilice a la comunidad como material, que evite estetizar la precariedad o instrumentalizar lo social como recurso. La metodología no es solo una cuestión técnica, es también una posición política: cómo mirar, desde dónde hablar, qué hacer con aquello que no se deja representar.

El sociograma se convierte en un campo de fuerzas más que en un mapa estable. La presencia de la procesionaria y su ciclo vital han sido claves en este desplazamiento conceptual. Ya no aparece únicamente como un fenómeno biológico: es un agente que activa percepciones, regula comportamientos y produce formas de relación con el espacio. La señalización, el miedo, la normativa o la indiferencia no son elementos secundarios, son capas activas que atraviesan el territorio. Se abren círculos que son ventana y agujero: permiten asomarse a capas más profundas y, al mismo tiempo, evidencian un vacío. El agujero aparece como espacio de desaparición, pero también de posibilidad. Esta cartografía es crítica y a la vez mítica: señala el abandono institucional pero también intenta activar una relectura poética y simbólica del lugar. Estas capas invisibles —riesgo, latencia, gestión opaca— operan como zonas de interferencia que condicionan el uso del espacio y la manera en que se habita. El sociograma intenta dar forma a estas fuerzas no como elementos fijos, sino como manchas, líneas de tensión y superposiciones que evidencian su carácter inestable. El papel vegetal, por su fragilidad y transparencia, permite superponer tiempos y relatos como si fueran sedimentos. Cada hoja es una capa que deja entrever la anterior, sin borrarla, como las huellas invisibles de quienes han habitado y sufrido este territorio.

Hay algo que ha surgido en el momento de creación del sociograma y que no estaba previsto al inicio: su condición de dispositivo manipulable. Las capas transparentes, los elementos móviles, los círculos y trayectorias desplazables convierten la representación en un campo inestable. El mapa deja de ser una imagen fija para convertirse en una práctica: algo que se reorganiza, se reconfigura y se ensaya continuamente. El sociograma no solo representa relaciones, sino que las activa. Cada desplazamiento de un agente, cada superposición de capas, produce una lectura distinta del contexto. El conocimiento no se organiza de forma jerárquica ni definitiva, sino provisional.

Otro aspecto fundamental es la estructura procesual y abierta del proyecto. No depende de un resultado final, se apoya en acciones pequeñas: caminar, observar, recoger, archivar, traducir, activar. Estas acciones no se organizan de manera lineal, son un movimiento cíclico, cercano al desplazamiento de la propia procesionaria. Cada gesto contiene al siguiente, y todos forman parte de una misma deriva metodológica. Este enfoque implica un rechazo de la lógica del evento como culminación del proceso. En su lugar, me interesa pensar en la continuidad como una posibilidad real: sostener una práctica en el tiempo, permitir que el proyecto se transforme, que incorpore nuevas capas, que permanezca abierto. Situar mi proyecto en una tensión productiva que no se resuelve, sino que se mantiene como un espacio de fricción. Es precisamente en esa incomodidad donde puede aparecer una forma de aprendizaje colectivo.

Dibujar el proyecto como un mapa afectivo —atento a relaciones, silencios, tensiones y cuidados— me obliga a dejar de pensar el territorio como un escenario y empezar a entenderlo como un campo dinámico. El conocimiento no está fuera, esperando a ser recogido, sino que ya circula de manera informal, fragmentaria y contradictoria. Mi relación con el espacio está cambiando. Ya no puedo pensar el territorio como un lugar a intervenir, sino como algo que ya está hablando. Trabajar en un contexto comunitario implica renunciar al control, aceptar la incertidumbre y asumir que el conflicto, el desacuerdo y la incomodidad también forman parte del proceso.

El sociograma, en su condición de objeto y herramienta, refleja esta transformación. Propone un espacio de exploración donde las relaciones pueden reconfigurarse. Más que fijar una imagen, quiere abrir un campo de posibilidad.

Hola a tod@s,
Como no me deja subir el archivo de la bitácora al Drive os lo comparto a través de esta entrada.

El proyecto que voy a llevar a cabo, Itzala (sombra), surge como una investigación sobre la relación entre las condiciones ambientales y el uso del espacio público, centrándose especialmente en la presencia o ausencia de sombra como elemento que condiciona la habitabilidad urbana. A partir de una primera reflexión, comencé a observar cómo los cuerpos ocupan el espacio en función de factores como el sol, la temperatura o la disponibilidad de zonas de resguardo.
En esta investigación, la bitácora se plantea como una herramienta de registro, análisis y reflexión que me acompañará durante todo el proceso de desarrollo del proyecto, a través de la cual documentaré las diferentes fases del mismo. De este modo, deja de ser únicamente un archivo de información para convertirse en un espacio activo de pensamiento. Además, funciona como un soporte donde poder conectar ideas, imágenes y experiencias que me permitan situarme en cada fase del proyecto y visualizar el recorrido, recogiendo tanto las decisiones tomadas como los cambios y reajustes que surgen a lo largo del proceso.

un abrazo

Hilos de Mujer es un proyecto artístico que explora la identidad femenina a través de la memoria, el cuerpo y las experiencias personales. Parte de la idea de que cada mujer está unida a otras por hilos invisibles: lo que heredamos, lo que sostenemos y lo que transformamos. A través del retrato, la costura y el bordado, busco visibilizar esas narrativas íntimas que a menudo quedan silenciadas y convertirlas en un tejido común.

El proyecto consiste en retratar a las mujeres que han marcado mi vida (incluyéndome a mí misma), transferir sus rostros a tela e intervenirlos con hilos, puntadas y collage. Cada retrato es una pieza única, pero todos estarán conectados físicamente por hilos que simbolizan vínculos afectivos, memorias compartidas y fuerzas heredadas. El resultado será un gran lienzo colectivo que funcione como un mapa emocional y una genealogía femenina.

La bitácora se convierte en una herramienta fundamental para documentar este proceso: recoge entrevistas, hallazgos, referentes, decisiones y transformaciones. No es solo un archivo, sino un espacio de reflexión donde se entrelazan ideas, imágenes y experiencias que permiten comprender cómo evoluciona la obra. A través de ella se hace visible el recorrido del proyecto, mostrando tanto los avances como los cambios que surgen en el camino.

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