1. Autoría y proceso creativo Ambos proyectos son individuales, lo que permite un control total sobre la obra y una expresión personal más directa. En mi proyecto, priorizo la animación y la poesía visual, mientras que Mayte Gómez utiliza filtros digitales y la modificación del rostro como herramienta conceptual. 2. Temática y concepto Mi proyecto aborda el transcurrir del tiempo y su impacto personal, mientras que «Me veo la nuca» reflexiona sobre la identidad y la representación digital. Ambos proyectos…
1. Autoría y proceso creativo Ambos proyectos son individuales, lo que permite un control total sobre la obra y una expresión personal más directa. En mi proyecto, priorizo la animación y la poesía visual, mientras que Mayte Gómez utiliza filtros digitales y la modificación del rostro como herramienta…
1. Autoría y proceso creativo Ambos proyectos son individuales, lo que permite un control total sobre la obra y…
1. Autoría y proceso creativo
Ambos proyectos son individuales, lo que permite un control total sobre la obra y una expresión personal más directa.
En mi proyecto, priorizo la animación y la poesía visual, mientras que Mayte Gómez utiliza filtros digitales y la modificación del rostro como herramienta conceptual. 2. Temática y concepto
Mi proyecto aborda el transcurrir del tiempo y su impacto personal, mientras que «Me veo la nuca» reflexiona sobre la identidad y la representación digital.
Ambos proyectos juegan con la percepción del «yo», pero desde enfoques distintos: el mío desde lo poético y narrativo, y el de Gómez desde la experimentación visual y tecnológica. 3. Uso del lenguaje y estética
En mi obra, el lenguaje andaluz aporta una dimensión personal y cultural, mientras que en «Me veo la nuca», el lenguaje visual se transforma a través de la tecnología.
Mi animación digital tiene una estética minimalista y fluida, mientras que «Me veo la nuca» se apoya en distorsiones visuales y la interacción con herramientas digitales. 4. Difusión y público
Ambos proyectos tienen potencial para exhibirse en espacios de arte contemporáneo y festivales de videoarte.
Mi obra podría conectar con audiencias interesadas en la poesía visual y la animación experimental, mientras que «Me veo la nuca» dialoga más con la exploración de la imagen digital y el impacto de las redes sociales. Conclusión
Ambos proyectos utilizan el videoarte para reflexionar sobre la identidad y la percepción del tiempo, aunque con enfoques y técnicas diferentes. Mi obra pone énfasis en lo narrativo y poético, mientras que «Me veo la nuca» se centra en la transformación visual y digital del rostro.
Debatecontribution 0en Análisis comparativo: «Me veo la nuca» (2021) y mi proyecto
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Kaixo Susana,
Me parece muy interesante cómo tu análisis sitúa tanto Miramar como Itzala dentro de una comprensión relacional de la obra, donde el proyecto artístico se define a partir de las relaciones que establece con su contexto. En particular, me resulta sugerente la idea de Itzala de entender la sombra como una infraestructura que condiciona los modos de uso y permanencia en el espacio urbano.
Esta reflexión conecta bastante con mi proyecto, que se centra en infraestructuras de tratamiento de agua y en los sistemas técnicos que gestionan residuos y contaminantes en el ciclo hídrico. Aunque los contextos son diferentes, ambos proyectos comparten un interés por hacer visible aquello que normalmente permanece fuera de nuestra percepción cotidiana.
En Itzala, la distribución de la sombra revela decisiones urbanísticas que afectan directamente a la habitabilidad del espacio público. En mi caso, la investigación se sitúa en las infraestructuras de depuración de agua, sistemas fundamentales para la vida urbana que, sin embargo, suelen permanecer invisibles en el imaginario colectivo.
Creo que ambos proyectos comparten una aproximación similar al trabajar con infraestructuras ambientales que condicionan nuestra relación con el entorno. Mientras Itzala analiza cómo la sombra regula la habitabilidad del espacio urbano en un contexto de crisis climática, mi proyecto explora cómo las infraestructuras hidráulicas gestionan la presencia de contaminantes en el agua. Una posible conexión entre ambos trabajos podría consistir en investigar cómo diferentes infraestructuras ambientales —climáticas o hídricas— configuran las condiciones materiales de habitabilidad en las ciudades contemporáneas con una publicación o una exposición.
Ongi izan.
He leído sobre tu proyecto y me parece muy importante la perspectiva que presentas sobre el condicionamiento del uso del espacio. Realmente es muy interesante la forma en que pretendes abordar estas infraestructuras urbanas invisibles pero poderosas. Te comparto uno cuantos puntos de posibles alianzas que he encontrado con mi proyecto:
Desde la dimensión relacional, ambos proyectos se configuran a partir de redes de agentes y contextos que exceden la práctica individual del artista. En tu caso, el proyecto se articula en torno a una relación directa con el espacio público de Tolosa, involucrando tanto el territorio urbano como las infraestructuras que determinan la distribución de luz y sombra en la ciudad. En su gestación y desarrollo intervienen distintos agentes: el propio artista como investigador, los marcos teóricos del urbanismo crítico, los dispositivos tecnológicos de cartografía y visualización digital, así como las dinámicas sociales vinculadas al uso cotidiano del espacio público por parte de los ciudadanos. Asimismo, la reflexión sobre la planificación urbana introduce indirectamente a instituciones y administraciones responsables de la organización material de la ciudad. Por su parte, mi proyecto se desarrolla en un contexto relacional distinto, centrado en el espacio doméstico o social de la comida compartida. En este caso, los principales agentes implicados en la producción son las personas que participan en las comidas registradas, así como los dispositivos técnicos de registro audiovisual y edición que permiten transformar esa experiencia cotidiana en material artístico. En ambos proyectos, aunque la autoría es individual, la obra se construye a partir de situaciones colectivas y de infraestructuras que organizan la vida cotidiana, ya sea la mesa como espacio de interacción social o la ciudad como estructura que regula la permanencia de los cuerpos en el espacio público. Estas características permitirían posibles alianzas en contextos de investigación artística o exhibición: programas de investigación artística, seminarios sobre arte y vida cotidiana o prácticas críticas del espacio. Podrían ser parte de exposiciones sobre políticas de lo cotidiano, coreografías sociales del espacio o infraestructuras de lo invisible. E incluso podrían articular talleres sobre observación y reflexión sobre formas de habitar los espacios.
Debatecontributions 2en Propuesta de proyecto: «Inventario Relacional»
Zuriñe Urbeltz Yaben says:
Visibilidad: Pública
Enhorabuena, Miguel Ángel.
El proyecto Inventario relacional me ha resultado muy estimulante.
Al tratarse de una propuesta que parte de lo social desde el ámbito educativo, dentro de la formación para el empleo y dirigida a alumnado con necesidades educativas especiales, considero que tiene un valor práctico muy significativo. Además, pienso que has sabido dotarlo de un carácter humano especialmente relevante.
El hecho de que el propio alumnado pueda expresar sus frustraciones y experiencias a través de la fotografía me parece una estrategia muy acertada. Permite visibilizar las dificultades reales con las que se encuentran cuando intentan desarrollar su autonomía personal y acceder al mundo laboral. En este sentido, el proyecto no solo funciona como un proceso educativo, sino también como un dispositivo de reflexión social que pone de manifiesto problemáticas que a menudo permanecen indivisibilizadas.
Seguramente ya lo tengas contemplado, pero, en relación con la difusión del proyecto, además de hacerlo llegar a las empresas, podría ser interesante organizar una exposición en el propio centro educativo y anunciarla en la web del centro. De esta manera, el trabajo podría presentarse también como una propuesta artística y pedagógica, ampliando su alcance y favoreciendo que llegue a un público más amplio, tanto dentro de la comunidad educativa como en el ámbito social y empresarial.
Asimismo, podría ser interesante invitar a las empresas a la inauguración de la exposición, con el fin de establecer relaciones más cercanas entre los distintos agentes implicados y contribuir a sensibilizar sobre esta realidad.
En primer lugar, decir que encuentro tu proyecto sumamente interesante y educativo. Su trasfondo e intencionalidad crítica y concienciadora es similar a la que planteo con mi proyecto. Los dos tratamos con personas reales: necesidades especiales en tu caso y enfermedades poco comunes en el mío. Ambas partes tienen algo sumamente doloroso en común, pues sufren de injusticias y prejuicios por parte de la sociedad. Por desgracia, la vida no está adaptada a las minorías, por lo que considero imprescindible dar visibilidad, el mejor motor del cambio, a través del arte.
Para desarrollar nuestra acción, debemos tener en cuenta cómo se clasifica a nivel de autoría, pues necesitamos de agentes/actantes/actores que determinan el desarrollo entero del proyecto. En mi caso, se trataría de una coautoría entre mi trabajo como artista/fotógrafa y las personas voluntarias a través de la asociación Más Visibles. ¿Cómo crees que se clasificaría Inventario Relacional?
Por otro lado, aunque nuestros proyectos se basan a nivel técnico en una serie fotográfica (el tuyo más similar a un inventario, como bien indicas en el título), cada uno lo lleva a un terreno diferente. En tu caso, una serie impersonal lejos de la difusión de la imagen propia, lo que le otorga un aura de misterio y sobre todo, impacto al destapar su significado (como el ejemplo de Félix Gonzalez-Torres); en mi caso, debo tener en cuenta la autorización de derechos de imagen para logar mi cometido de generar una estética más empática y personal desde la propia fotografía.
Por último, solo desearte mucho ánimo con tu proyecto. Es una propuesta muy necesaria y con un gran potencial a todos los niveles. Como ha dicho también Zuriñe, tiene la ventaja de ser presentado al público de muchas formas diferentes para generar un gran impacto. ¡Mi más sincera enhorabuena!
Debatecontributions 1en RETO 2. PROPUESTA DE PROYECTO
Marina Aguirre Berriozabal says:
Visibilidad: Pública
Egun on Susana!
Oso interesgarria iruditu jata “itzala” proiektuaren proposomanena. Parte de algo muy cotidiano como la sombra para hablar de cómo está organizado el espacio urbano. Nunca había pensado la ciudad o el pueblo desde ese prisma, y me parece muy potente la idea de que la sombra no es algo neutral, sino el resultado de decisiones que afectan directamente a cómo usamos los espacios públicos.
Además, leyendo tu propuesta me he acordado de mi propio pueblo, Durango, porque allí tenemos un problema bastante parecido. Hay plazas y zonas donde en verano el sol pega durante horas y es difícil permanecer mucho tiempo, pero nunca lo había pensado en términos de infraestructura o de desigualdad espacial. Tu proyecto me ha hecho verlo desde otra perspectiva, como si la ausencia de sombra también fuera una decisión que condiciona quién puede quedarse y quién no.
La idea de proyectar digitalmente las sombras que podrían existir me parece muy potente. Me gusta porque no se trata de añadir algo físicamente al espacio, sino de generar una especie de ficción que hace visible lo que falta. Es una estrategia muy poética y a la vez política, porque la sombra acaba dibujando el vacío de algo que podría estar ahí.
En relación con mi propio proyecto, encuentro un punto en común en la idea de hacer visible algo que normalmente no vemos o no pensamos. En tu caso tiene que ver con el espacio urbano y sus infraestructuras invisibles, y en el mío con el cuerpo y la identidad.
Creo que puede salir una pieza muy interesante visualmente, sobre todo si juegas con cómo aparecen esas sombras en el espacio y cómo cambian la percepción del lugar.
Gertutik jarraituko dot zure proiektua! Zorte on!
Marina ;-)
Maite Martí Vallejo es poeta, editora y artista transdisciplinar. Durante más de una década ejerció como librera y desde 2018 coedita la revista digital Thalamus, un espacio dedicado a la difusión de voces contemporáneas en los ámbitos artístico y poético. Es autora de los libros Todos vienen al…
Maite Martí Vallejo es poeta, editora y artista transdisciplinar. Durante más de una década ejerció como librera y desde…
Maite Martí Vallejo es poeta, editora y artista transdisciplinar. Durante más de una década ejerció como librera y desde 2018 coedita la revista digital Thalamus, un espacio dedicado a la difusión de voces contemporáneas en los ámbitos artístico y poético. Es autora de los libros Todos vienen al funeral de Rick (RIL, 2018), La vida cotidiana arrasa Europa (RIL, 2019) y La última Coca-Cola (Dilema , 2024), y ha sido incluida en diversas antologías. Ha participado en ferias y festivales como Vociferio, Nudo y la FIL de Rosario (Argentina), donde ha llevado su trabajo más allá del libro, incorporando la oralidad y la performatividad en la lectura pública. Como collagista, diseña cubiertas para RIL Editores, abordando el libro no solo como un receptáculo de texto, sino como un objeto de mediación entre la imagen, el lector y la arquitectura del sentido.
Fotografía de la autora, Madrid 2024
Mi práctica se mueve entre la palabra, laimagen y la memoria. Trabajo desde ese cruce, explorando los límites materiales y simbólicos del archivo, la ficción y el gesto poético como formas de conocimiento entrelazadas. Me interesa especialmente el archivo fotográfico: retratos anónimos de mujeres del siglo XIX y principios del XX que recojo en mercadillos o anticuarios. Son imágenes sin nombre, sin contexto, pero llenas de potencial. Al intervenirlas, intento abrir nuevas narrativas sobre lo femenino, la representación y la memoria. Trabajo con técnicas como el collage, la instalación y la videoperformance, siempre con una intención clara: cuestionar lo fijo, el rostro como algo cerrado, la identidad como algo estable, el relato como una línea continua. Me interesa lo fragmentario, lo que queda fuera de lugar, lo que se resiste, la posibilidad de construir una lengua propia a partir de materiales ajenos.
Fotografía de la autora, Madrid 2024
PROCESiOnaria
Contagio / Comunidad / Contacto / Proceso / Latencia / Trabajo invisible / Tiempo suspendido Transformación / Conflicto / Pensamiento / Efímero / Aparición / Nuevos posibles
PROCESiOnaria es un proyecto de investigación artística situado en el parque del Turó de la Peira (Nou Barris, Barcelona), espacio afectado de forma recurrente por la oruga procesionaria del pino (Thaumetopoea pityocampa). El proyecto toma el ciclo vital del insecto —descenso colectivo, enterramiento, metamorfosis y emergencia efímera— como matriz estructural y metodológica para pensar el territorio desde la lógica del proceso.
Más que representar la plaga, la propuesta examina las condiciones materiales, simbólicas y políticas que produce su presencia intermitente: la señalización constante, la gestión parcialmente invisible, la convivencia cotidiana con una amenaza anunciada. La procesionaria funciona como figura de transformación y contagio, pero también como hipótesis: un fenómeno que existe tanto en su manifestación biológica como en su posibilidad.
Articulando investigación científica, análisis territorial y lectura poético-política, PROCESiOnaria activa el parque como espacio de pensamiento compartido. El proyecto explora la contingencia —la posibilidad de que algo suceda o no— como dimensión material y discursiva, interrogando qué formas de percepción, comunidad y transformación pueden emerger de una situación ecológica normalizada.
PROCESiOnaria se desarrolla en el parque del Turó de la Peira, un territorio atravesado por capas de uso y abandono: cantera, vertedero, campo de fútbol, mirador, refugio. Esta estratificación histórica configura un espacio donde lo natural y lo urbano se superponen sin síntesis estable. En ese contexto se inscribe desde hace décadas la presencia cíclica de la procesionaria del pino, cuya aparición activa dispositivos visibles de advertencia mientras que las dinámicas estructurales de gestión permanecen en segundo plano. El parque se convierte en un lugar señalado pero no necesariamente transformado.
El proyecto parte de esta especificidad contextual. No aborda la plaga como imagen ni como metáfora abstracta, sino como situación concreta que produce efectos materiales (contacto, riesgo, toxicidad), discursivos (protocolos, normativas, señalización) y significativos (miedo, costumbre, indiferencia, anticipación). La amenaza opera tanto en acto como en potencia: no siempre hay orugas visibles, pero la advertencia persiste. Esta coexistencia entre presencia y posibilidad sitúa la contingencia en el centro de la investigación.
El término PROCESO, inscrito en el propio nombre del insecto, orienta la metodología. El ciclo vital —descenso, enterramiento, metamorfosis y emergencia— no funciona únicamente como estructura narrativa, sino como modelo operativo que organiza la práctica. Descender implica aproximarse al suelo compartido y al contacto; enterrarse supone asumir la latencia y el trabajo invisible; metamorfosear señala la reorganización gradual de los materiales y las percepciones; emerger introduce la fragilidad y la brevedad de toda aparición.
La estrategia no consiste en representar el paisaje, sino en establecer una relación sensible con sus huellas materiales. La investigación se despliega mediante incursiones periódicas al parque, observación sostenida, escucha y registro en diarios de campo. Se configura un archivo vivo —abierto incluso a lo especulativo o ficticio— que recoge restos, fragmentos y señales mínimas. Esta práctica de recolección, próxima a una sensibilidad arte povera y a ciertas derivas del land art, atiende a lo insignificante como lugar de intensidad y pensamiento.
El proyecto adopta un tono híbrido entre lo botánico, lo arqueológico, lo poético y lo comunitario. La procesionaria permite pensar el contagio más allá de lo biológico. El descenso colectivo puede leerse como coreografía disciplinaria o como forma de cooperación; el enterramiento, como desaparición o como reorganización; la metamorfosis, como ruptura o continuidad transformada. Estas ambivalencias no se resuelven, se sostienen como campo crítico. La práctica artística interviene en esa zona de indeterminación, alterando la legibilidad del fenómeno sin clausurarlo.
PROCESiOnaria no fija de antemano sus procedimientos formales. Vídeo, texto, dibujo o acción pública pueden emerger como cristalizaciones parciales de un proceso más amplio. Lo central no es el objeto final, sino la construcción de una relación prolongada con el lugar. El parque deja de ser escenario para convertirse en materia activa e interlocutor.
El proyecto examina qué rasgos del contexto pueden ser señalados o desplazados: la normalización del riesgo, la distancia entre advertencia y transformación efectiva, la invisibilidad de ciertos trabajos ecológicos, la fragilidad de los equilibrios comunitarios. La intervención artística no garantiza cambios estructurales, pero puede modificar las condiciones de atención e intensificar lo latente allí donde el hábito ha producido indiferencia.
PROCESiOnaria se sitúa en un umbral: entre lo que ocurre y lo que podría ocurrir, entre lo visible y lo enterrado, entre el acontecimiento y su posibilidad. Trabajar desde esa contingencia implica asumir que la transformación no es un resultado asegurado, sino una oportunidad que emerge de un proceso prolongado, situado y compartido.
Referencias
Boltanski, C. (2007). La vida posible de Christian Boltanski. Ediciones Universidad de Salamanca.
Bourriaud, N. (2006). La forma relacional. En N. Bourriaud, Estética relacional (pp. 9–25). Adriana Hidalgo.
Hola Maite, he leído tu propuesta con mucho interés y encuentro puntos de conexión que me parecen genuinos, no forzados.
Los dos proyectos trabajan con una lógica similar: algo está ahí, latente, casi invisible, y solo se revela a quien decide prestarle atención. En tu caso es el ciclo de la procesionaria — presente en la advertencia aunque no siempre visible en la oruga — y en el mío es la capa de magia que habita los paisajes cotidianos de Cantabria, perceptible solo para los ojos que quieran verla. Ambos proyectos apuestan por la latencia como categoría central, por lo que existe en potencia más que en acto.
Hay también una coincidencia en el método: los dos trabajamos desde una relación prolongada y sensible con un lugar concreto. Tú con el Turó de la Peira mediante incursiones periódicas y diarios de campo, yo con el paisaje cantábrico desde una práctica pictórica acumulada. En los dos casos el lugar no es un escenario sino un interlocutor activo.
Donde más divergimos es en la dimensión relacional y comunitaria. Tu proyecto activa el parque como espacio de pensamiento compartido, implica territorio urbano, agentes locales, protocolos institucionales. El mío es por ahora íntimo y solitario — la magia ocurre en el estudio, no en el espacio público. Tu trabajo me hace preguntarme si en algún momento el mío podría salir del cuadro y encontrar un lugar, un contexto, una comunidad con quien resonar.
Debatecontributions 4en Reto 2: Tomar impulso y fijar el rumbo. Análisis comparativo
Nerea Rodilla Tordable says:
Visibilidad: Pública
Hola Carla!
Después de leer tu análisis, encuentro varios puntos de coincidencia interesantes entre tu proyecto Hilos de mujer y el enfoque de mi propuesta artística. Cabe destacar que a pesar de que nuestras obras parten de medios distintos, ya que en tu caso el retrato intervenido con dibujo y bordado, y en el mío el acto de coser o unir trozos de telas desgarradas como metáfora de reparación emocional, ambos proyectos comparten una relación muy fuerte con lo textil, lo manual y lo simbólico como formas de construcción de significado.
Uno de los aspectos clave y de mayor afinidad es la forma en la que ambos trabajos sitúan el tema de la identidad y la memoria personal en el centro del proceso creativo. En el caso de tu proyecto, los retratos de mujeres cercanas a tu vida se convierten en piezas atravesadas por historias personales, afectos y vínculos, por lo que la autoría se crea de forma compartida con las personas representadas. Cabe destacar que esta dimensión relacional también se encuentra en mi proyecto, a pesar de que sea desde otra perspectiva, ya que las telas desgarradas y su reparación funcionan como metáforas de experiencias emocionales que pueden ser fácilmente reconocidas por otras personas. Es por ello que en ambos casos, la obra no se limita a una expresión individual, sino que se conecta con historias y vivencias compartidas.
Por último, encuentro coincidencias en la manera en la que ambos proyectos se sitúan fuera de estructuras institucionales rígidas. Esto es debido a que tanto en tu propuesta como en la mía se parte de un contexto más íntimo y cercano, en el que las relaciones afectivas y las experiencias personales tienen un mayor peso que los marcos institucionales. Esto provoca un tipo de colaboración que no es necesariamente formal, pero sí profundamente significativa.
Hola Nerea,
Muchas gracias por tu lectura tan atenta y por tomarte el tiempo de conectar tu proyecto con el mío. Me encantó cómo encontraste esos puntos de cruce entre lo textil, lo manual y lo simbólico. Aunque cada una trabaja desde gestos distintos (vos desde la reparación de telas y yo desde el retrato intervenido) siento que compartimos una sensibilidad muy parecida, entender lo textil como un lenguaje que habla de lo que nos atraviesa.
Me pareció muy linda la manera en que señalaste la dimensión afectiva y relacional de ambos proyectos. En mi caso aparece desde las mujeres que retrato y sus historias, y en el tuyo desde esa metáfora tan potente de coser lo que estuvo roto. Son dos caminos distintos, pero los dos ponen en el centro la experiencia humana y la memoria emocional, y eso genera un diálogo muy natural entre nuestras obras.
También coincido con lo que decís sobre trabajar por fuera de estructuras institucionales rígidas. Tanto tu proyecto como el mío nacen desde lo íntimo, desde lo cotidiano, desde un lugar donde los vínculos pesan más que cualquier marco formal. Y creo que justamente ahí está la fuerza, en esa honestidad que aparece cuando una trabaja desde lo que le importa de verdad.
Gracias de corazón por tu comentario tan generoso. Me encanta ver cómo nuestras propuestas pueden encontrarse y resonar entre sí.
Un abrazo grande,
Carla
Para comenzar, enhorabuena por el trabajo realizado en este análisis. En general, creo que tocas todos los puntos importantes y que, además, lo has dejado de una manera muy clara y estética (algo que hace la lectura muy ligera y agradable). Pero entrando más en materia, como ya te dije en el comentario que dejé en tu propuesta de proyecto, me ha resultado especialmente interesante cómo tu proyecto va construyendo una red simbólica a través del hilo, que esos vínculos vayan quedando como rastros evidentes entre las mujeres retratadas.
Me ha resultado especialmente clara la organización que has hecho a partir de agentes, relaciones y contextos que intervienen en los dos proyectos, tanto en el tuyo como en el de Güell. Creo que has acertado, de pleno, al remarcar el marco institucional de La Feria de las Flores comparándolo con el carácter mucho más íntimo y reflexivo de Hilos de mujer ya que, este contraste, ayuda a entender muy bien cómo cambian las formas de legitimación, colaboración y construcción del archivo en cada proyecto, se parezcan o no en su forma a priori.
En general, el contraste que has hecho entre el registro más institucional de Nuria contra uno más afectivo construido desde relaciones me ha hecho pensar en un fuerte punto de diálogo con mi propia propuesta. En mi caso, el archivo colectivo surge de la mediación tecnológica y del sistema generativo que altera las imágenes, una tercera vía posible.
Y aunque nuestros tipos de archivo sean diferentes, encuentro muchos puntos de encuentro entre nuestros proyectos…sobre todo porque ambas partimos de las mismas preguntas en torno a la identidad para generar todo un diálogo conceptual sobre la imagen, la identidad (y su desplazamiento), la autoría y la agencia, tal y como te detallé en mi otro comentario. Por todo ello, pienso que sería muy interesante que en un futuro hubiera un cruce de propuestas o la oportunidad de colaborar, pues pienso que tenemos ramas de pensamiento muy similares y que, las diferencias, pueden complementarnos como artistas.
Sin más, muchísimas gracias por dejarnos este gran análisis. ¡Un abrazo!
Me gusta mucho tu proyecto, me gusta tu trabajo a través de tejer y el hilo, porque con lo segundo veo conexiones con otras obras que he hecho en las que trato de “sostener” partes de la obra con cuerdas o cordeles, un poco a la desesperada porque la realidad es que no sé ni tejer ni coser jaja. Si que veo la conexión con mi proyecto en relación con que trabajas con la intimidad y creas un espacio en el que la experiencia humana se vuelve visible, en mi caso a traves de error en mis hojas de práctica y como estas son también un rastro de mi vida. También veo similitudes en el planteamiento de que tu obra que se construye en base al trabajo manual y fuera de un marco institucional.
Aunque ambos proyectos se construyen desde premisas diferentes, en el caso del tuyo a través de las relaciones de las mujeres que han ayudado a forjarte y el mío desde un punto más individualista, si que creo que se complementan como facetas que nos construyen como seres humanos y que ambos se acompañaría bien.
¡Hola, clase! Os dejo el PDF con el análisis comparativo que he realizado, en mi caso me ha parecido muy interesante escoger la obra Me veo la nuca de Mayte Gómez. Entrega de la actividad R2 …
¡Hola, clase! Os dejo el PDF con el análisis comparativo que he realizado, en mi caso me ha parecido muy interesante escoger la obra Me veo la nuca de Mayte Gómez. Entrega de la actividad R2 …
¡Hola, clase! Os dejo el PDF con el análisis comparativo que he realizado, en mi caso me ha parecido…
¡Hola, clase!
Os dejo el PDF con el análisis comparativo que he realizado, en mi caso me ha parecido muy interesante escoger la obra Me veo la nuca de Mayte Gómez.
Hola Irene,
Muchas gracias por compartir tu análisis, lo leí con muchísimo interés. Me pareció muy potente cómo articulás la relación entre «After the Portrait» y «Me veo la nuca», sobre todo en torno a la identidad y la mediación tecnológica. Aunque nuestros proyectos parten de lenguajes muy distintos, encontré varios puntos de cruce entre tu propuesta y la mía («Hilos de mujer») que me gustaría compartir.
Por un lado, me resonó mucho tu lectura de «Me veo la nuca» como un proyecto donde la identidad aparece tensionada por la tecnología, pero sin perder su reconocibilidad. Esa idea de una identidad que se altera, pero no se destruye, está muy presente también en mi trabajo. En mi caso, la mediación no es digital sino material: el hilo, el bordado y el gesto manual funcionan como filtros que transforman el retrato sin anularlo. Igual que en tu proyecto, la imagen deja de ser un espejo estable para convertirse en un territorio de negociación.
También me interesó mucho cómo hablás de la autoría y la agencia. En «Me veo la nuca», la autoría está centrada en la artista; en tu proyecto, se distribuye entre el espectador, el código y vos. En «Hilos de mujer» sucede algo parecido, aunque desde otro lugar, la autoría se comparte con las mujeres retratadas, cuyas historias y presencias transforman la obra tanto como mi intervención. Me gustó ver cómo, desde lenguajes tan distintos, ambas pensamos la autoría como algo que se desplaza y se reparte.
Además, tu reflexión sobre la mediación tecnológica como actor (siguiendo a Latour) me hizo pensar en mi propio proceso. Aunque no trabajo con sistemas digitales, también hay una mediación activa: la del hilo, el tiempo, la repetición, la fragilidad del material. En ambos casos, la identidad no se muestra tal cual, sino atravesada por un sistema que la traduce, la altera y la vuelve a presentar.
Por último, me pareció muy sugerente tu análisis sobre la socialización y el archivo. En «After the Portrait», el archivo colectivo construye una memoria de identidades alteradas; en «Hilos de mujer», el archivo es más íntimo y afectivo, pero también funciona como un espacio donde la identidad se teje y se transmite. En ambos casos, la obra no se completa sin el otro: sin quien mira, sin quien participa, sin quien aporta su imagen o su historia.
Me encanta ver cómo, desde prácticas tan diferentes, podemos encontrarnos en preocupaciones comunes sobre la identidad, la representación y la mediación. Y la verdad, me encantaría pensar en una colaboración futura entre nosotras y ver hacia dónde nos lleva ese cruce de lenguajes. Siento que podría salir algo realmente interesante.
Un abrazo grande,
Carla
Muchísimas gracias por tu comentario; como ya te dije en el comentario a la propuesta, aunque nuestros proyectos sean diametralmente diferentes en su forma, creo que se parecen mucho conceptualmente, al menos en el punto de alteración de la imagen. Las preguntas base que sostienen nuestros proyectos son realmente cercanas desde mi punto de vista…
Creo que tienes razón en la parte de la mediación activa ya que, en mi opinión, tanto en tu proyecto como en el mío hay una estructura que atraviesa la identidad, sí, yo desde lo tecnológico y tú desde lo manual, pero las dos la transformamos sin llegar a anularla, sino que más bien la desplazamos. Me gusta pensar que, tanto mi código como tu hilo funcionan como «dispositivos» que reorganizan la relación entre la imagen, el cuerpo y la representación.
Como bien has señalado, en After the Portrait, se va construyendo un archivo colectivo que va acumulando diversidad de identidades alteradas; por otro lado, en tu proyecto aparece de una forma más íntima y reflexiva; este contraste creo que abre un terreno muy interesante para pensar distintos modos de memoria y cómo ésta se va transmitiendo.
Por todas estas similitudes en cuanto a la conceptualización, yo también encuentro muy interesante una posible futura colaboración entre nosotras, creo que podría salir algo realmente bueno de ahí.
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Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.
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Kaixo Susana,
Me parece muy interesante cómo tu análisis sitúa tanto Miramar como Itzala dentro de una comprensión relacional de la obra, donde el proyecto artístico se define a partir de las relaciones que establece con su contexto. En particular, me resulta sugerente la idea de Itzala de entender la sombra como una infraestructura que condiciona los modos de uso y permanencia en el espacio urbano.
Esta reflexión conecta bastante con mi proyecto, que se centra en infraestructuras de tratamiento de agua y en los sistemas técnicos que gestionan residuos y contaminantes en el ciclo hídrico. Aunque los contextos son diferentes, ambos proyectos comparten un interés por hacer visible aquello que normalmente permanece fuera de nuestra percepción cotidiana.
En Itzala, la distribución de la sombra revela decisiones urbanísticas que afectan directamente a la habitabilidad del espacio público. En mi caso, la investigación se sitúa en las infraestructuras de depuración de agua, sistemas fundamentales para la vida urbana que, sin embargo, suelen permanecer invisibles en el imaginario colectivo.
Creo que ambos proyectos comparten una aproximación similar al trabajar con infraestructuras ambientales que condicionan nuestra relación con el entorno. Mientras Itzala analiza cómo la sombra regula la habitabilidad del espacio urbano en un contexto de crisis climática, mi proyecto explora cómo las infraestructuras hidráulicas gestionan la presencia de contaminantes en el agua. Una posible conexión entre ambos trabajos podría consistir en investigar cómo diferentes infraestructuras ambientales —climáticas o hídricas— configuran las condiciones materiales de habitabilidad en las ciudades contemporáneas con una publicación o una exposición.
Ongi izan.
Hola, Susana!
He leído sobre tu proyecto y me parece muy importante la perspectiva que presentas sobre el condicionamiento del uso del espacio. Realmente es muy interesante la forma en que pretendes abordar estas infraestructuras urbanas invisibles pero poderosas. Te comparto uno cuantos puntos de posibles alianzas que he encontrado con mi proyecto:
Desde la dimensión relacional, ambos proyectos se configuran a partir de redes de agentes y contextos que exceden la práctica individual del artista. En tu caso, el proyecto se articula en torno a una relación directa con el espacio público de Tolosa, involucrando tanto el territorio urbano como las infraestructuras que determinan la distribución de luz y sombra en la ciudad. En su gestación y desarrollo intervienen distintos agentes: el propio artista como investigador, los marcos teóricos del urbanismo crítico, los dispositivos tecnológicos de cartografía y visualización digital, así como las dinámicas sociales vinculadas al uso cotidiano del espacio público por parte de los ciudadanos. Asimismo, la reflexión sobre la planificación urbana introduce indirectamente a instituciones y administraciones responsables de la organización material de la ciudad. Por su parte, mi proyecto se desarrolla en un contexto relacional distinto, centrado en el espacio doméstico o social de la comida compartida. En este caso, los principales agentes implicados en la producción son las personas que participan en las comidas registradas, así como los dispositivos técnicos de registro audiovisual y edición que permiten transformar esa experiencia cotidiana en material artístico. En ambos proyectos, aunque la autoría es individual, la obra se construye a partir de situaciones colectivas y de infraestructuras que organizan la vida cotidiana, ya sea la mesa como espacio de interacción social o la ciudad como estructura que regula la permanencia de los cuerpos en el espacio público. Estas características permitirían posibles alianzas en contextos de investigación artística o exhibición: programas de investigación artística, seminarios sobre arte y vida cotidiana o prácticas críticas del espacio. Podrían ser parte de exposiciones sobre políticas de lo cotidiano, coreografías sociales del espacio o infraestructuras de lo invisible. E incluso podrían articular talleres sobre observación y reflexión sobre formas de habitar los espacios.
Nos seguimos leyendo, ¡saludos!
Cristina.