Debatecontributions 4en Reto 2: Tomar impulso y fijar el rumbo. PRIMERA ENTREGA
Irene Arroyo Morales says:
Visibilidad: Pública
¡Hola, Carla!
Ahora que he leído tu propuesta con calma, en líneas generales es un proyecto que veo muy potente, tanto conceptual como estéticamente. Me ha interesado mucho no solo que sea un gesto de agradecimiento, sino la estructura, la red que estás construyendo con esta idea. Aquí me encaja muchísimo una frase que has dicho en el Statement: «Mis obras no buscan ser perfectas, buscan ser honestas»…está frase me parece súper directa y profundamente coherente con el resto del proyecto, ya que transmite que nace de un sentimiento genuino de cariño, de un homenaje sincero.
Quiero destacar también cómo has articulado todo el proceso en fases porque no lo veo sólo como una metodología técnica o un cronograma, sino que parece una metáfora de cómo se construye la identidad; incluso veo un poquito de reflejo de los rituales que haces antes de ponerte a dibujar. Muestras todo el proceso como un modo distinto de aproximarte a esas mujeres y a ti misma. Empiezas desde una observación íntima de tu entorno, encarnas las imágenes en un soporte, las expandes simbólicamente y, finalmente, las enlazas entre ellas mediante el hilo. No me parece una secuencia casual, me parece más bien que está formando un símil de tu propio punto de vista de la identidad como algo tejido y no simplemente dado. Además, creo que ese autorretrato forja toda esa relación, no estás fuera del entramado, estás dentro.
También me ha llamado la atención la cita de Bourriaud que has incluido al principio de la introducción ya que creo que tu proyecto encaja muy bien con esa idea, que efectivamente tu propuesta funciona como una «duración por experimentar» ya que no tiene que tratarse de un mural final, sino que se puede expandir…igual que no es sólo el resultado sino todo ese proceso que estás describiendo (ya sabes que yo estoy un poco obsesionada con ver la obra de arte en el proceso): coser, recordar, mirar, resignificar, pintar, volver a mirar…Me parece que ahí se activa una dimensión relacional desde el tiempo, no sólo desde el encuentro puntual.
Como te había dicho en mi post, en mi respuesta a tu comentario, me ha gustado muchísimo ver y analizar cómo nuestros proyectos dialogan desde lugares distintos. En el mío la transformación pasa por el sistema y la mediación tecnológica y, en el tuyo, por el gesto manual y el vínculo con el hilo…pero en ambos hay una red que construye y sostiene la imagen. Quizá, si en algún momento tuviéramos la oportunidad de colaborar y provocar un encuentro entre proyectos, podríamos explorar ese cruce y ver qué sucede cuando el hilo y el código se encuentran.
Muchas gracias por compartir un proyecto tan honesto, coherente y, en general, tan cuidado. Se nota que lo estás haciendo desde la experiencia y el cariño.
¡Hola Irene!
Perdona que te responda recién ahora, acabo de leer tu comentario con calma y de verdad te agradezco muchísimo todo lo que has escrito. Me parece un feedback súper generoso y muy constructivo.
Me ha emocionado que hayas visto esa honestidad que intento mantener en el proyecto, porque para mí es lo que lo sostiene todo. También me sorprendió para bien cómo has leído la estructura en fases como una metáfora de identidad. No lo había pensado tan claramente, pero cuando lo mencionas tiene todo el sentido por al final, trabajar con estas mujeres y conmigo misma es también una forma de ir tejiendo algo que no está dado, que se construye paso a paso.
Me encantó también lo que dices sobre la cita de Bourriaud y la idea de “duración por experimentar”. Siento que mi proyecto vive mucho ahí, en el proceso, en el gesto, en el tiempo que se repite y se resignifica. Y me gusta que vos también lo leas así.
Y sobre lo que comentas de cómo dialogan nuestros proyectos… totalmente. Me parece precioso ese cruce entre tu mirada más tecnológica y la mía más manual. Son lenguajes distintos, pero ambos construyen redes, vínculos y formas de sostener imágenes. Ojalá en algún momento podamos explorar ese encuentro entre hilo y código, porque creo que podría salir algo muy especial.
Gracias de verdad por leer con tanta atención y cariño.
Un abrazo grande
Tu proyecto Hilos de mujer me parece muy interesante ya que conecta con ciertas inquietudes que también veo reflejadas en mi propuesta, en concreto en relación con la identidad y la memoria como elementos que se construyen mediante los vínculos con otras personas. En tu caso, esta exploración se centra en la genealogía femenina y en las relaciones afectivas entre mujeres, un aspecto que considero muy potente y significativo.
Asimismo, me resulta especialmente sugerente la forma en la que haces uso del hilo rojo como metáfora de conexión entre las diferentes historias y retratos, formando así una red simbólica que une experiencias personales y memorias compartidas. Considero que esta idea de identidad como un elemento que se teje colectivamente conecta con mi proyecto, ya que también me interesa trabajar la identidad como un proceso relacional que se construye mediante las experiencias y la relación con los demás.
Por último, creo que nuestras propuestas hacen uso de lenguajes similares y ambos comparten una dimensión relacional y afectiva que abre posibles espacios de diálogo. Es por ello por lo que podría ser interesante considerar futuras colaboraciones donde estas formas de trabajar la memoria y la identidad puedan encontrarse y enriquecerse mutuamente.
¡Hola Nerea!
Gracias por tomarte el tiempo de leer mi propuesta y escribir un comentario tan cuidado. Me alegró mucho ver cómo encontraste puntos de cruce entre tu proyecto y el mío, sobre todo en esa idea de que la identidad y la memoria no se construyen solas, sino en relación con otras personas. Me parece muy valiosa esa lectura porque justamente es algo que intento trabajar desde un lugar sensible y cotidiano.
Lo que decís del hilo rojo me encantó. Para mí es un gesto simple, casi doméstico, pero que termina cargándose de un montón de sentido cuando empieza a unir historias y miradas. Que vos lo leas como una red simbólica me hace sentir que esa intención llega, que no queda solo en lo visual.
También me interesó mucho cómo conectás tu proyecto con el mío desde lo relacional. Aunque cada una trabaja desde lenguajes distintos, hay algo en común en esa búsqueda de entender quiénes somos a través de los vínculos. Me gusta pensar que, si en algún momento se diera una colaboración, podrían aparecer cruces inesperados entre nuestras formas de trabajar la memoria y la identidad.
Gracias de verdad por tu mirada tan atenta y por la energía linda que transmite tu comentario.
¡Un abrazo grande!
¡Hola, clase! A continuación dejo un PDF que explica la idea que tengo en mente para realizar el proyecto de esta asignatura. Espero que os guste: Entrega de la actividad R2 …
¡Hola, clase! A continuación dejo un PDF que explica la idea que tengo en mente para realizar el proyecto de esta asignatura. Espero que os guste: Entrega de la actividad R2 …
¡Hola, clase! A continuación dejo un PDF que explica la idea que tengo en mente para realizar el proyecto…
¡Hola, clase!
A continuación dejo un PDF que explica la idea que tengo en mente para realizar el proyecto de esta asignatura. Espero que os guste:
Debatecontributions 10en Propuesta de proyecto (R2)
Carla Castaño Maidana says:
Visibilidad: Pública
Irene,
tu proyecto me resultó súper interesante y muy bien pensado. Me gusta mucho cómo cuestionás la idea del retrato como algo fijo y lo llevás a un lugar donde la identidad puede moverse, transformarse y volverse más honesta. Cuando mencionás que históricamente el retrato funcionó como un dispositivo de legitimación y que vos querés romper con esa estabilidad, ahí sentí una conexión directa con lo que yo también trabajo. En Hilos de mujer parto exactamente de esa misma idea: que la identidad no es algo cerrado, sino algo que se construye y se negocia todo el tiempo, sobre todo cuando pasa por otras personas.
Vos usás un sistema generativo que altera la imagen a través del código; yo intervengo mis retratos con collage, bordado y tejido. Pero en los dos casos, el retrato deja de ser una foto “quieta” para convertirse en un proceso vivo. En tu obra, la identidad se desplaza por la acción del sistema; en la mía, por la acción del hilo, la memoria y el vínculo con las mujeres que me rodean. Me encanta cómo planteás que la imagen sigue siendo reconocible, pero ya no es la misma, esa idea de identidad negociada también es central en mi proyecto, aunque yo la trabajo desde un lugar más íntimo y afectivo.
También veo una coincidencia fuerte en cómo entendemos la autoría. En tu proyecto, la imagen final es el resultado de lo que hacen vos, el espectador y el sistema. En el mío, la autoría también se comparte: los rostros pertenecen a mujeres que forman parte de mi vida, y el bordado reconoce que mi identidad está hecha de ellas. En ambos trabajos, la obra no nace de una sola persona, sino de una red de relaciones que la sostienen.
Otra conexión importante es la idea de archivo. Vos construís un archivo colectivo de imágenes transformadas; yo construyo un archivo afectivo de mujeres que me sostienen. Los dos archivos hablan de identidad, pero desde lugares distintos: el tuyo desde la tecnología y la mediación; el mío desde la memoria y los vínculos.
Y creo que, en el fondo, compartimos una misma pregunta: ¿cómo nos construyen las imágenes que hacemos y las que recibimos? Vos lo trabajás desde lo digital; yo desde lo manual. Pero en los dos casos, la imagen no es un espejo, sino un espacio donde la identidad se mueve, se cuestiona y se vuelve a armar.
Por eso siento que nuestros proyectos dialogan tan bien: vos desde el código, yo desde el hilo; vos desde la impredecibilidad del sistema, yo desde la memoria y el afecto. Pero las dos desde la idea de que la identidad no es fija, sino un tejido vivo en constante transformación. Gracias por compartir un proyecto tan claro, tan honesto y tan inspirador.
Lo primero, muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leer y analizar mi propuesta, así como de haber dejado un comentario tan atento y tan generoso. Me ha entrado mucha curiosidad leer tu proyecto por la pasión con lo que lo mencionas y por cómo lo has ido comparando con el mío. Es muy interesante sobre todo cómo una idea que tenemos ambas, porque ya hemos coincidido previamente en otras asignaturas hablando de la identidad y cómo se construye una imagen, puede tomar caminos tan diferentes en cuanto a su forma, pero no en cuanto a su objetivo.
Me ha hecho mucha ilusión cómo has leído la idea del retrato no como algo que se rompe, sino que se desplaza y se negocia y justo en esa palabra, «negociación», es donde reside la clave desde mi perspectiva. También me ha interesado muchísimo eso que has mencionado del «archivo afectivo» ya que, como dices, yo lo he tratado desde la tecnología y el sistema y tú lo has traído desde el hilo y el vínculo. Más allá de que tu idea me parece estéticamente preciosa y conceptualmente potente, quiero hacer la comparación y es que, sea de una forma u otra, en ambas cuestionan la idea de imagen como algo estable, cuestionan la identidad desde el punto de vista de ser una construcción en relación y no como algo inmóvil.
Me encanta encontrar estos cruces que se van dando entre proyectos aparentemente tan dispares, siento que partimos de preguntas similares aunque desde dispositivos y sensibilidades diferentes. Ojalá en algún momento, sea en esta asignatura o posteriormente y cuando nuestros proyectos estén algo más avanzados, podamos seguir explorando estas conexiones y diferencias.
De nuevo, muchísimas gracias por haber hecho una lectura tan cuidada, ahora mismo voy a leer la tuya.
Hola Irene, tu proyecto me ha encantado(!!), de tu proyecto lo que más me interesa es la cuestión de la identidad. Me parece muy sugerente la idea de que el retrato deje de ser algo estable y pase a ser un espacio de negociación, porque de alguna manera eso también atraviesa Catharsis, aunque no sea tan explícito. Para mí la identidad no es algo fijo, y muchas veces creo que para poder vernos con claridad primero hay que olvidarse un poco de uno mismo, salir de la imagen que creemos que somos.
Me interesa mucho el juego del espejo que propones. Siempre pensamos que lo que vemos reflejado es la verdad, pero en realidad está completamente atravesado por nuestra propia mirada. Me pregunto qué pasaría si, en vez de distorsionar solo la imagen, distorsionamos también la percepción corporal a través de la luz y el sonido. Incluso me atrae la idea de anular el espejo, de dejar de ver para poder sentir. Ahí veo una conexión muy fuerte entre tu proyecto y el mío.
Además, me gusta que trabajes con archivo colectivo, aunque personalmente me interesa más la experiencia efímera, esa intensidad que solo ocurre en el momento. Imagino fácilmente una colaboración donde las cámaras capten al público y su imagen se transforme en tiempo real. (Sinceramente, sería increible)
¡Muchísimas gracias por tu comentario y por haber hecho una lectura tan atenta! Me has despertado mucha curiosidad, sobre todo por esa idea que has introducido de «anular el espejo» en lugar de distorsionarlo. Precisamente, quería hablar de eso en mi proyecto, de pensar que el reflejo (en mi caso imagen, quizás menos efímero) como una verdad que permanece estable cuando en realidad siempre está mediado y atravesado por múltiples capas. Llevarlo hacía un terreno de «dejar de ver para poder sentir», como has señalado, me parece una línea muy potente conceptualmente.
En mi caso, es verdad que uno de los resultados o, más bien, consecuencias del proceso sería la creación de un archivo colectivo, trabajar desde la acumulación para ver cómo esas imágenes transformadas pueden permanecer y construir una memoria. Sí que no trato directamente un proyecto efímero, porque pretendo dejar esa huella digital, pero me ha parecido muy interesante para una versión alternativa o una vía de expansión futura explorar qué ocurre cuando esa transformación sucede en directo y no deja archivo, algo más como una instalación con un sistema generativo con la suficiente autonomía como para producir variaciones en tiempo real y que estas mismas no dejen rastro. O, incluso, que el propio sistema se fuera desactivando progresivamente. Me gusta mucho que hayas abierto esa posibilidad porque creo que has ampliado significativamente el marco de posibilidades de mi proyecto y que se podría abrir fácilmente a colaboraciones.
De nuevo, muchísimas gracias por este punto de vista, me ha hecho reflexionar mucho. Un besazo!!
Después de leer tu análisis, encuentro varios puntos de coincidencia interesantes con la perspectiva de mi proyecto, en concreto en la manera en que ambos trabajos comprenden la obra como un dispositivo relacional más que como un objeto cerrado. En tu caso, el proyecto After the Portrait se activa gracias a la participación de los usuarios que ceden su imagen para que sea transformada y archivada colectivamente, creando una red de relaciones entre participante, tecnología y artista. Esta distribución de agencia que describes considero que es muy sugerente ya que plantea la obra como un proceso abierto que se construye con la intervención de otros actores y con el paso del tiempo.
A pesar de que mi proyecto se sitúa en un plano más material y manual, ya que se centra en “coser” telas desgarradas como metáfora de reparación emocional, también comparte esa dimensión procesual. En ambos casos, la obra no se limita a obtener un resultado sino que se centra en el proceso de transformación. Esta coincidencia abre un posible espacio de diálogo entre lo digital y lo material como dos maneras distintas de enfocar el tema de la identidad, la vulnerabilidad o la reparación.
Asimismo, encuentro afinidad en la forma en la que ambos proyectos buscan crear una relación con el público desde la experiencia personal, ya que en tu propuesta, el espectador se enfrenta a su propia imagen alterada dentro de un sistema tecnológico. Igualmente, en mi propuesta la identificación puede surgir gracias a la metáfora de la herida y su reparación. Desde esta perspectiva, ambas obras invitan a una reflexión acerca del cuerpo, la identidad y las transformaciones que atraviesan.
¡Muchísimas gracias por tu comentario! Me ha parecido muy interesante ese diálogo entre lo digital y lo material. Me ha pasado precisamente con otra compañera que existía el mismo cruce: procedimientos y formas totalmente distintos pero núcleos conceptuales muy afines, partiendo de la misma pregunta. Creo que el hecho de que ambos proyectos tengan un carácter altamente procesual, no entendiendo la obra como resultado sino como proceso de transformación en un punto de conexión muy fuerte que nos podría dar lugar a una interesante colaboración.
Me ha gustado mucho la metáfora que quieres conseguir con tu proyecto, la de la herida y su reparación, me parece realmente potente porque creo que introduce una lectura del cuerpo desde algo muy humano y de la identidad desde lo material. Ese cruce que mencionas también podría ser un espacio de diálogo interesante…
De nuevo, muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leer mi proyecto y por tu comentario. ¡Un saludo!
Me ha parecido muy interesante tu propuesta, ya que conecta con algunas preocupaciones presentes en mi proyecto.
Trabajas la identidad a través del retrato alterado, mostrando así que la imagen del yo no es completamente estable, sino que se encuentra mediada por estructuras externas como es el código, la interfaz o el dispositivo digital.
En mi proyecto, mi interés también se centra en explorar cómo la identidad y el comportamiento se ven atravesados por dispositivos que regulan al sujeto, aunque en mi caso, lo hago a través de la parodia y el sarcasmo de un discurso institucional para exagerar las lógicas de autocontrol en el entorno laboral.
Creo que ambas propuestas comparten un mismo interés: cómo las estructuras “neutras” llegan a operar como mediadores que influyen en la forma en la que nos percibimos y actuamos. Mientras que, en tu caso, el sistema transforma la imagen del usuario, en el mío el discurso revela cómo el sujeto acaba interiorizando ciertas normas.
La idea del archivo de retratos alterado me resulta especialmente interesante, ya que la obra se constituye con la participación activa del público. Creo hallar un punto de conexión entre nuestras propuestas, ya que ambas dependen de la activación del espectador para poder alcanzar su dimensión crítica.
¡Muchísimas gracias por este comentario tan interesante que me has dejado! Me ha gustado mucho tu idea de atravesar la identidad y el comportamiento a través de la parodia y el sarcasmo usando un discurso institucional, me ha parecido muy original que analices estas dimensiones exagerando las lógicas de autocontrol del entorno laboral. En mi opinión, ese tipo de estrategias críticas pueden ir tomando caminos que no se esperan al inicio cuando van abriendo debate, generando crítica y cuestionan sobre cómo se interiorizan determinadas normas o comportamientos.
También me gustaría señalar la parte en las que has hablado de las estructuras aparentemente «neutras» ya que yo también pienso que operan como mediadores que nos influyen directamente y, por ello, es uno de los puntos que me ha interesado (y, obviamente, me sigue interesando) para realizar mi proyecto, explorándolo a través del código y del dispositivo digital…
Como bien has dicho, en ambos proyectos la participación del espectado es un elemento para activar la obra. Creo que ahí podría aparecer un punto de diálogo interesante entre ambas.
Me gusta cómo planteas el retrato dentro del proyecto! La idea de que el usuario introduzca su propia imagen y que después esta sea intervenida por un sistema generativo abre un espacio bastante sugerente. Me parece especialmente interesante la forma en que se plantea la identidad como algo negociado y no como una imagen cerrada.
Creo que hay algunos puntos de conexión con mi proyecto. En mi caso también trabajo con programación y, aunque el punto de partida no es la imagen sino el lenguaje, creo que podrían encontrarse en el tema de la identidad. Las piezas se construyen a partir de frases que se activan visualmente y que, a través de su comportamiento en pantalla, terminan contradiciendo o desplazando lo que aparentemente decían al principio. Aunque el material de partida es diferente, en ambos casos el sistema tiene un papel bastante similar: funciona como una estructura que introduce variaciones y altera algo que inicialmente parecía “estable”, por decirlo de alguna manera.
También me parece que ambos proyectos comparten una relación bastante clara con prácticas vinculadas al arte generativo y a la interacción con el espectador. En los dos casos el resultado final depende, en parte, de cómo el sistema se comporta y de la relación que se establece con quien participa.
Quizás podría haber algún punto de encuentro entre los dos proyectos en el momento de mostrarlos públicamente, por ejemplo dentro de un contexto digital o interactivo. Podría ser interesante situar trabajos que parten de sistemas generativos pero que operan sobre materiales distintos aunque con cierta relación.
Hola Irene, me parece muy interesante el trabajo que planteas. Creo que tenemos elementos en común, por ejemplo, la autoría compartida y la modificación de imágenes existentes, el archivo colectivo y la imagen-dispositivo.
En cuanto al tema, tu trabajo me hace pensar en los programas de Internet donde puedes subir una foto y modificarla para fusionarte con un animal o una celebridad. Como mi interés son los memes, también pienso en el trend del 2015 de los “memes fritos” (LiterallyAustin 2017) que culminó en muchos generadores de este tipo: enlace.
Creo que la diferencia es que tu trabajo se centra en la visión de uno mismo; tu discurso me ha hecho pensar en los filtros, por ejemplo, los de TikTok, que modifican nuestra apariencia e incluso han afectado la industria de las cirurgías plásticas (Veras et al. 2025). Por otro lado, mi trabajo investiga la identidad colectiva, cómo nos percibimos en relación a quienes comparten unos intereses, códigos estéticos o ideologías. Buscando cualquier palabra + “meme”, encuentras un colectivo (por ej. memes sobre arte: enlace).
Por lo tanto, tal vez podríamos colaborar en la construcción de discursos, exposiciones, compartir desarrollos informáticos recientes de interés o juntar fuerzas para generar networking con agentes del mundo como comisarios/as y galeristas. O participar en el montaje de una exposición colectiva. También existiría la posibilidad de colaborar en el futuro en una obra que mezcle elementos de nuestros trabajos. Para decir alguna idea: pienso en que yo grabe entrevistas donde las personas reaccionen a tus imágenes, o integrar elementos de videoproyección y sonido a un dispositivo que modifique fotos en vivo.
Veras, Eduardo Miguel, Samuel Román Ledesma, Joel Andres Acosta Matos, et al. 2025. «Influence of Social Media Filters on Plastic Surgery: A Surgeon’s Perspective on Evolving Patient Demands». Cureus 17 (3): e80483.https://doi.org/10.7759/cureus.80483.
Mis Referentes Gráficos: Del Trazo Límpido a la Mirada Crítica A lo largo del proceso creativo que ha culminado en los trabajos presentados en el vídeo, he identificado una serie de referentes fundamentales que han moldeado mi mirada como autor de cómic y humor gráfico. Mis influencias abarcan desde la línea clara europea hasta la explosión visceral del cómic underground, pasando por la tradición del humor gráfico de pensamiento. En esta familia conviven cuatro nombres del cómic narrativo —Hergé,…
Mis Referentes Gráficos: Del Trazo Límpido a la Mirada Crítica A lo largo del proceso creativo que ha culminado en los trabajos presentados en el vídeo, he identificado una serie de referentes fundamentales que han moldeado mi mirada como autor de cómic y humor gráfico. Mis influencias…
Mis Referentes Gráficos: Del Trazo Límpido a la Mirada Crítica A lo largo del proceso creativo que ha…
Mis Referentes Gráficos: Del Trazo Límpido a la Mirada Crítica
A lo largo del proceso creativo que ha culminado en los trabajos presentados en el vídeo, he identificado una serie de referentes fundamentales que han moldeado mi mirada como autor de cómic y humor
gráfico. Mis influencias abarcan desde la línea clara europea hasta la explosión visceral del cómic underground, pasando por la tradición del humor gráfico de pensamiento. En esta familia conviven cuatro nombres del cómic narrativo —Hergé, Richard Corben, Simon Bisley y Dan Hipp— y tres maestros indiscutibles del humor gráfico: Forges, Quino y El Perich.
Los pilares del humor con conciencia
De Forges, el cronista de la España del siglo XX, admiro su capacidad para crear un universo propio con personajes reconocibles al instante. Su lenguaje plagado de neologismos y su mirada tierna y ácida a la vez me enseñaron que el humor se construye tanto con el trazo como con la palabra, y que lo cotidiano es una fuente inagotable de gags.
Quino, creador de Mafalda, representa para mí la cumbre de la síntesis entre dibujo y mensaje. Su trazo aparentemente sencillo esconde una precisión quirúrgica para la expresión corporal. De él aprendí que el humor puede ser un vehículo para preguntarse por el mundo, y que la mirada crítica y humanista es un ideal al que aspirar.
De El Perich, el maestro de la elipsis, admiro su capacidad para resumir una paradoja en una sola viñeta con un dibujo funcional. Me enseñó el poder de lo que no se dice, y que la viñeta puede ser un artefacto filosófico de precisión devastadora.
Los maestros de la narrativa y la forma
Hergé, el padre de Tintín, me enseñó el poder de la línea clara y la legibilidad. Su trazo preciso y funcional me mostró que el dibujo debe servir a la historia con elegancia quirúrgica, y que el color plano y la composición clara son herramientas esenciales para la narrativa.
En las antípodas estéticas, Richard Corben representa la emoción pura y telúrica. Su anatomía exagerada y su modelado de figuras a base de luz y sombra me fascinan. De él aprendí a explorar la materialidad de los cuerpos y a crear atmósferas densas con la acuarela.
Simon Bisley es la antítesis del control: trazo suelto, mancha de tinta, agresividad expresiva. De él he tomado la libertad de soltar la mano y buscar la textura orgánica. Me enseñó que para contar historias salvajes, el trazo también debe serlo.
Por último, Dan Hipp aporta el dinamismo contemporáneo. Sus figuras estilizadas y su color vibrante me enseñaron a simplificar las formas sin perder fuerza, y a buscar esa agilidad visual que hace que el gag sea directo y divertido.
En conclusión, mi trabajo es un batiburrillo donde estas influencias se funden: de Forges, Quino y El Perich tomo la mirada crítica y el ingenio; de Hergé, la estructura narrativa; de Corben, la textura orgánica; de Bisley, la fuerza expresiva; y de Dan Hipp, la frescura moderna. Todos ellos me han impulsado a desarrollar un estilo propio que busca el equilibrio entre el trazo que cuenta, el trazo que siente y la idea que invita a pensar.
Revisando mi trayectoria artística mis tres referentes principales son Nam June Paik, Hiroyuki Nakajima y Seung-Taek Lee y analizando la razón principal…
Revisando mi trayectoria artística mis tres referentes principales son Nam June Paik, Hiroyuki Nakajima y Seung-Taek Lee y analizando la razón principal de porque estas figuras se convirtieron en mis referentes es por que tienen tres maneras diferentes de hacer lo mismo: alterar y desobedecer el soporte. Name…
Revisando mi trayectoria artística mis tres referentes principales son Nam June Paik, Hiroyuki Nakajima y Seung-Taek Lee y analizando…
Revisando mi trayectoria artística mis tres referentes principales son Nam June Paik, Hiroyuki Nakajima y Seung-Taek Lee y analizando la razón principal de porque estas figuras se convirtieron en mis referentes es por que tienen tres maneras diferentes de hacer lo mismo: alterar y desobedecer el soporte.
Name June Paik.
Conocí sus obras antes de saber quién era. En mi primer viaje a Corea del Sur me topé con sus escultura electrónicas y televisivas, los colores, las luces y las formas llamaron mi atención y despertó en mi el interés por lo electrónico y la curiosidad de desmontaje y el reensamblaje de los materiales y objetos para dotarlos de nuevos significados. Cuando aprendí sobre su figura me quedé en cómo trataba la imagen como collages inestables, evidenciando el poder de manipulación de la televisión y su relación con el espectador. Fue un referente para mi obra “Play Start: sesgo de género” en el que dos pantallas que activan una confrontación entre dos tipos de representación. Elaborada con fragmentos publicitarios de los 70/80 y de finales de los 80 y los 90, recoge dos dualidades a través de la imagen con el fin de visibilizar el cambio de cómo un dispositivo pasa a ser de uso general y un doméstico “para todos”, a un juguete codificado como masculino.
No recuerdo exactamente como llegó su nombre a mi vida, pero si que fue un referente que exploré más profundamente en la asignatura de técnicas pictóricas. Experimentó diversas maneras de dibujar a través de su proyecto Life生, en los que escribía cada día ese kanji (vida), con múltiples variantes: cambio de soporte, de utensilio, los gestos y resultado. Practico shôdo (caligrafía japonesa) desde hace unos años, Nakajima utiliza muchísimo su cuerpo para realizar sus obras, y gran parte de la importancia de esta práctica es el control de tu cuerpo para dominar el trazo, para alcanzar esa “perfección” en las líneas. Me gusta como a la vez el propio artista altera y experimenta con esta técnica tradicional y el símbolo como un juego, creo que es la expresión de que la experimentación cabe aún dentro de las prácticas más rígidas. Este interés por la tinta contra el fondo blanco fue parte de la inspiración de la obra |NO| ESTOY BIEN que nació de querer hacer tangible uno de los aspectos que acarrea la depresión: la carga de ocultar el dolor ante los demás. Reflejado a través de la escritura de palabras sobre ropa: vivencias, recuerdos y pensamientos que guardamos en nuestro interior.
Taek acuñó el término “no-escultura” para definir el contexto de sus obras, utilizó este concepto para plasmar su objeción contra las ideas y ordenes establecidos por los cánones artísticos de corte occidental que se empezaron a seguir en su país (Corea del Sur) a medidos del siglo pasado debido a la enorme influencia que Estados Unidos ejercía sobre este. Durante su época de estudiante empezó a dejar de lado los materiales convencionales y a utilizar materiales poco convencionales como el cordel, la cerámica tradicional coreana o las briquetas de carbón. Continuó experimentando con diversos materiales, creó obras con “elementos no-materiales” como el viento, fuego y humo, en este caso realizando intervenciones efímeras en diversos espacios.
El trabajo con el objeto cotidiano me atrae, son medios de conexión con la mayor parte del mundo, que reflejan idearios e historias comunes que pueden dotar de significado hasta a el objeto más sencillo. Las manipulaciones de Lee sobre estos objetos me animan a la experimentación y al sentimiento a través de las formas y los significados que contienen sus piezas. Su trabajo me inspiró a crear la obra Desmontaje (2023)
Hola clase! En esta entrada presento mi trayectoria hasta el momento y algunos de los referentes que han acompañado mi práctica. Video de presentación Referentes Cuando pienso en los referentes que han ido acompañando mi práctica, no los entiendo tanto como influencias directas en el estilo, sino…
Hola clase! En esta entrada presento mi trayectoria hasta el momento y algunos de los referentes que han acompañado…
Hola clase!
En esta entrada presento mi trayectoria hasta el momento y algunos de los referentes que han acompañado mi práctica.
Video de presentación
Referentes
Cuando pienso en los referentes que han ido acompañando mi práctica, no los entiendo tanto como influencias directas en el estilo, sino como formas de situarse frente al grabado. Más que intentar parecerme a ellos, me interesa cómo trabajan, cómo entienden el medio y cómo lo hacen circular. Supongo que, en el fondo, lo que intento es entender qué lugar puede ocupar mi trabajo dentro de todo eso.
Uno de los referentes que más me ha marcado es Hokusai. Más allá de la imagen icónica de la ola, lo que realmente me interesa es su manera de trabajar por series. Creo que sus «Treinta y seis vistas del monte Fuji», por ejemplo, no son simplemente imágenes atractivas, sino parte de un proyecto amplio, sostenido en el tiempo, donde cada estampa forma parte de un conjunto mayor. Me interesa esa insistencia, esa idea de volver una y otra vez sobre un mismo motivo y variarlo. Hay algo en esa lógica que me atrae mucho, aunque todavía no la tenga del todo resuelta en mi propio trabajo. A veces trabajo por conjuntos, pero no siempre consigo que esa continuidad sea tan clara. Me recuerda un poco a la construcción de un fotolibro, donde cada imagen tiene sentido por sí sola, pero termina de funcionar dentro del conjunto.
Hokusai.- 36 Vistas del Monte Fuji
Otro referente importante para mí es José Guadalupe Posada. De él me interesa mucho su dimensión popular. No solo las calaveras, sino también sus ilustraciones para cuentos, para pliegos sueltos, para publicaciones que circulaban de forma cotidiana y que tenían una finalidad práctica. El grabado en su caso no estaba pensado como pieza única para un espacio cerrado, sino como imagen reproducible que se movía y llegaba a la gente. Esa idea del grabado como medio accesible y ligado a la circulación conecta bastante con cómo me siento más cómodo entendiendo mi propia práctica. Cuando preparo obra para un mercadillo, por ejemplo, me siento más cerca de esa lógica de imagen que circula que de la idea de obra única.
Posada.- Gran calavera eléctrica
Käthe Kollwitz es otro referente que siempre me ha impresionado. En su obra hay una intensidad muy fuerte y, al mismo tiempo, una pulcritud y un dominio del medio que me parecen difíciles de alcanzar. El grabado en su caso tiene peso, no es algo ligero. Aunque mi temática no tenga nada que ver con la suya, sí me interesa esa manera de tomarse el medio en serio, de trabajarlo hasta que realmente sostenga algo más que la imagen en sí.
Kollwitz.- Die Mütter (Las Madres)
En un plano más contemporáneo, el trabajo de Catherine Cartwright, y en concreto su serie «Tree-scapes», me ha hecho pensar bastante. En esa pieza el linograbado forma parte de un proyecto que reflexiona sobre el tiempo y la memoria. El propio título remite a una duración concreta, a un intervalo medido, y la repetición funciona casi como una forma de registrar ese paso del tiempo. Me interesa cómo utiliza la repetición no solo como recurso formal, sino como estructura conceptual. La técnica sigue estando muy presente, pero ya no es lo único importante. Eso conecta directamente con el momento en el que estoy ahora: siento que he dedicado bastante tiempo a afinar el lenguaje técnico y me gustaría que ese lenguaje pudiera sostener algo más, aunque todavía estoy intentando averiguar exactamente qué forma debería tomar eso.
Cartwright.- Serie Tree-scapes
Si miro estos referentes en conjunto, veo que comparten algo que también intento trabajar, aunque no siempre lo consiga: la idea de sistema, de serie, de continuidad. Ninguno de ellos entiende el grabado como una imagen aislada que se agota en sí misma. Siempre hay un contexto más amplio, ya sea una serie extensa, una publicación popular o un proyecto con una intención más reflexiva.
En mi caso, que vengo de una trayectoria bastante ligada al proceso y al trabajo manual, estos referentes funcionan más como horizontes que como modelos a copiar. Me ayudan a pensar que el grabado puede ser muchas cosas a la vez: oficio, sistema, medio reproducible y lenguaje contemporáneo capaz de sostener preguntas más complejas.
Ahora mismo siento que estoy en un punto intermedio. Tengo una base técnica que me permite trabajar con cierta seguridad, pero también soy consciente de que muchas de mis decisiones han sido más intuitivas o estéticas que reflexivas. Al mirar a estos artistas, especialmente a Kollwitz y a Cartwright, veo que es posible no abandonar el oficio y, al mismo tiempo, ir un poco más allá. No tengo del todo claro cómo será ese siguiente paso, pero sí sé que pasa por integrar mejor técnica y contenido.
Gracias por vuestro tiempo, nos vemos en el aula.
Un saludo,
Alberto
P.S.: Si a alguien le interesa ver mis trabajos, puede encontrarlos en mi perfil de Instagram
Hola a todos, Os comparto mi trabajo para este Reto 1. Espero que os guste!!! https://drive.google.com/file/d/10j87jxFtcLaytOxkbapw47HBCA9Tqwht/view?usp=sharing Entrega de la actividad R1 …
Hola a todos, Os comparto mi trabajo para este Reto 1. Espero que os guste!!! https://drive.google.com/file/d/10j87jxFtcLaytOxkbapw47HBCA9Tqwht/view?usp=sharing Entrega de la actividad R1 …
Hola a todos, Os comparto mi trabajo para este Reto 1. Espero que os guste!!! https://drive.google.com/file/d/10j87jxFtcLaytOxkbapw47HBCA9Tqwht/view?usp=sharing …
Hola a todos, Os comparto mi trabajo para este Reto 1. Espero que os guste!!!
Me gustó mucho tu vídeo, te quedó como reflexiones super cercanas e íntimas, haces que el espectador se pueda sentir muy conectado contigo…y respecto a lo que dices, aunque no tuviera el mismo reconocimiento tu titulación, esas cosas muchas veces son más por trámite y diferencias institucionales, seguro que el aprendizaje durante tu periodo docente te dio una experiencia rica y vital, no te rindas y ojalá verte pronto como profe!!!
También me he sentido super identificada con los rituales antes de trabajar, son casi mágicos, ¿verdad?
UNA PRÁCTICA EN TRANSFORMACIÓN Mi práctica artística parte casi siempre de lo personal, no porque me interese hablar de mí como individuo, sino porque creo que el cuerpo y la experiencia son lugares desde los que se puede pensar el mundo. Con el tiempo, he ido entendiendo que aquello que nos atraviesa como la infancia, el miedo, el cuidado, el cansancio o la ternura no es algo privado, sino profundamente político. Desde el inicio, mi trabajo se ha…
UNA PRÁCTICA EN TRANSFORMACIÓN Mi práctica artística parte casi siempre de lo personal, no porque me interese hablar de mí como individuo, sino porque creo que el cuerpo y la experiencia son lugares desde los que se puede pensar el mundo. Con el tiempo, he ido…
UNA PRÁCTICA EN TRANSFORMACIÓN Mi práctica artística parte casi siempre de lo personal, no porque me interese…
UNA PRÁCTICA EN TRANSFORMACIÓN
Mi práctica artística parte casi siempre de lo personal, no porque me interese hablar de mí como individuo, sino porque creo que el cuerpo y la experiencia son lugares desde los que se puede pensar el mundo. Con el tiempo, he ido entendiendo que aquello que nos atraviesa como la infancia, el miedo, el cuidado, el cansancio o la ternura no es algo privado, sino profundamente político.
Desde el inicio, mi trabajo se ha vinculado a prácticas feministas que ponen el cuerpo en el centro. Me interesa el cuerpo como espacio sensible, vulnerable y cambiante, pero también como un lugar de resistencia. No como imagen idealizada, sino como algo que siente, duda, se transforma y se agota. En ese sentido, el arte se convierte para mí en una herramienta para parar, observar y generar espacios donde otras temporalidades son posibles.
Un referente muy importante en mi trabajo es Louise Bourgeois. De ella me interesa especialmente cómo utiliza su experiencia vital (la infancia, el miedo, la maternidad, la memoria) sin separarla del lenguaje artístico. Su obra me ha ayudado a entender que la fragilidad no es una debilidad, sino una fuerza, y que la ternura puede ser inquietante, incómoda y profundamente política.
También ha sido clave la obra de Ana Mendieta, sobre todo en su manera de trabajar el cuerpo desde la huella, el gesto y la relación con el entorno. En su trabajo, el cuerpo no se muestra para ser mirado, sino para ser sentido. Esto conecta mucho con mi interés por generar experiencias más que objetos cerrados, y por pensar el cuerpo como algo que está en constante diálogo con el espacio que habita.
Con el tiempo y especialmente a partir de la maternidad, mi mirada se ha ido desplazando. Sin dejar lo autobiográfico, el foco se ha ampliado hacia el mundo, hacia lo colectivo y hacia el cuidado. Ser madre no aparece en mi trabajo como un tema en sí mismo, sino como una experiencia que ha transformado mi manera de estar, de mirar y de crear. Me ha hecho más consciente de la importancia de la escucha, de la pausa y de la responsabilidad hacia los otros.
En este contexto aparece con más fuerza la idea de ternura radical. Para mí, la ternura no tiene que ver con algo blando o ingenuo, sino con una forma de resistencia frente a la violencia, el ruido y el poder. Apostar por el cuidado, por la empatía y por lo vulnerable es una manera de cuestionar los modelos dominantes que priorizan la dureza, el control y la imposición.
Me interesa pensar la práctica artística como un espacio desde el que activar estas ideas, no para dar respuestas claras, sino para generar preguntas y experiencias. Muchas de mis piezas funcionan como dispositivos donde el espectador entra en contacto con sensaciones como la calma, la saturación, el cansancio o la incomodidad. No busco imponer un mensaje, sino abrir un lugar para sentir y reflexionar desde el cuerpo.
En definitiva, mi práctica se mueve entre lo íntimo y lo político, entre la experiencia personal y las problemáticas colectivas. Trabajo desde una posición situada, atravesada por el feminismo, el cuidado y la ternura radical, entendiendo el arte como un espacio desde el que imaginar otras formas de estar juntas, de escucharnos y de habitar el mundo.
Debatecontribution 0en R1- Abrir la maleta
No hay comentarios.
Lo siento, debes estar conectado para publicar un comentario.
Archivo, resto y memoria vulnerable: Durante mucho tiempo pensé que mi trabajo consistía en producir sentido. Ordenar materiales, dar forma a una experiencia, cerrar un gesto. Hoy me reconozco en otro desplazamiento: ya no quiero ocupar el lugar de quien organiza desde arriba, sino el de quien sostiene…
Archivo, resto y memoria vulnerable: Durante mucho tiempo pensé que mi trabajo consistía en producir sentido. Ordenar materiales, dar…
Archivo, resto y memoria vulnerable:
Durante mucho tiempo pensé que mi trabajo consistía en producir sentido. Ordenar materiales, dar forma a una experiencia, cerrar un gesto. Hoy me reconozco en otro desplazamiento: ya no quiero ocupar el lugar de quien organiza desde arriba, sino el de quien sostiene condiciones para que algo ocurra. Ese tránsito ha sido lento y no del todo cómodo. Implica aceptar la incertidumbre, asumir que el conflicto y la incomodidad no son obstáculos sino materiales.
En ese movimiento, el pensamiento de Hannah Arendt fue decisivo. Cuando define la acción como aquello que sucede entre las personas, sin mediación de objeto estable, introduce una fragilidad radical: la acción no se controla ni se posee. Me interesa esa dimensión vulnerable. Entender el arte no como producción de objetos, sino como espacio de aparición. Algo que ocurre y que, al ocurrir, transforma las relaciones.
Pero esa transformación no es grandilocuente. Es microscópica. Aquí aparece Michel Foucault: el poder no está concentrado, circula. No se trata de representar estructuras abstractas, sino de observar cómo se distribuyen los gestos mínimos, quién toma la palabra, quién queda fuera del relato. Mi práctica se ha vuelto micropolítica no por una voluntad teórica, sino porque he entendido que el sentido se juega en esos desplazamientos pequeños.
El archivo, en este contexto, deja de ser acumulación para convertirse en tensión. Anna Maria Guasch habla del archivo como “paradigma estructural”, no como depósito sino como forma de pensamiento. Archivar no es conservar; es decidir qué permanece visible y bajo qué condiciones. En mis trabajos, el archivo nunca es estable: se arruga, se dispersa, se vuelve ilegible. Me interesa su precariedad.
Ahí resuena con fuerza Christian Boltanski, cuya obra siempre me ha confrontado con la imposibilidad de la memoria total. Fotografías anónimas, luces frágiles, nombres repetidos. La memoria como resto. No hay restitución completa; hay supervivencia. Esa ética del fragmento me resulta cercana: trabajar con lo que queda, con lo que no encaja del todo.
También Georges Perec me enseñó a mirar lo aparentemente insignificante. Interrogar lo infraordinario. El inventario como forma política y el “no me acuerdo” como método. Me interesa esa escritura que trabaja desde la falta.
La imagen, entendida como huella, aparece en el pensamiento de Georges Didi-Huberman, no como presencia plena, sino como supervivencia. Algo que insiste incluso cuando ya no está. En mi trabajo, la arruga o la herida no son metáforas decorativas: son superficies donde el tiempo se inscribe. La materia guarda memoria sin necesidad de narración explícita.
Gaston Bachelard me ofreció una sensibilidad distinta: la intimidad del espacio. La casa como resonancia afectiva. La topofilia. Comprender que los lugares no son meros contenedores, sino configuraciones emocionales. Esa dimensión íntima atraviesa mis decisiones formales: trabajar con materiales modestos y escalas cercanas.
El corte como gesto aparece de manera explícita cuando pienso en Gordon Matta-Clark. Su forma de fracturar arquitecturas no es solo formal: al abrir un edificio, expone tensiones invisibles entre dentro y fuera, entre estructura y cuerpo. El corte no destruye; revela. Me interesa esa violencia precisa, ese gesto que no añade sino que quita. Trabajar desde la herida implica aceptar que el sentido no es compacto. Agujeros como “aberturas” de este mundo con respecto a otro. Permiten asomarse a capas más profundas y evidencian un vacío.. El agujero como espacio de desaparición, pero también de posibilidad. la grieta se convierte aquí en método: cortar, abrir y revelar lo oculto tras la superficie. La ruina no es destrucción, sino apertura; un espacio desde el que imaginar otras formas de relación, cuidado y reparación.
En este entramado, la perspectiva de Donna Haraway introduce una ética de la implicación. El conocimiento es situado. No existe mirada neutral. Asumir mi localización transforma mi práctica: ya no observo desde fuera, sino que me reconozco dentro de la red de relaciones que configuran cada proyecto. Humanos, materiales, territorios, relatos: todos actúan. La autoría se descentra.
Esa descentralización se extiende hacia lo vegetal cuando pienso en el trabajo de Anaïs Tondeur, especialmente en su manera de convertir el herbario en archivo vivo de una catástrofe. Las plantas como cuerpos que registran lo invisible. Lo orgánico como memoria encarnada. Me interesa esa alianza con lo no humano, esa posibilidad de pensar la herida como algo que atraviesa más de una especie.
Gordon Matta-Clark, Splitting (1974) Acción desarrollada en una vivienda suburbana de Nueva Jersey, dividida verticalmente en dos mitades. El proyecto fue documentado fotográfica y fílmicamente como parte integral de la obra.Anaïs Tondeur, Chernóbil. Herbarium (2021) Proyecto artístico y editorial basado en la recolección y registro de especies vegetales en territorios afectados por el accidente nuclear de Chernóbil. Combina investigación científica, fotografía y edición.Christian Boltanski. Instalaciones construidas con fotografías anónimas, estructuras metálicas y sistemas de iluminación tenue. Su obra examina los mecanismos de la memoria colectiva mediante estrategias de repetición y acumulación.
La poesía cruza todo este marco, no como género, sino como modo de pensar. La poesía permite decir sin clausurar. Trabajar con el desvío, con la oblicuidad, con la respiración fragmentaria. Me interesa su capacidad para sostener la ambigüedad sin resolverla. En mis proyectos, la escritura no ilustra la imagen ni la imagen traduce la escritura: ambas se tensan.
Si algo une estos referentes es la aceptación de la fragilidad como condición. No busco solidez monumental, sino persistencia mínima. He aprendido a “ver la limitación como recurso, transformar el inconveniente en aliado”. Las restricciones materiales no son un déficit, sino un marco que obliga a afinar la escucha. La precariedad no es solo contexto; es método.
He dejado de pensar los proyectos como representaciones cerradas y he empezado a entenderlos como investigación-acción. No observo desde fuera; me implico, me dejo afectar. El arte no como objeto acabado, sino como proceso que altera ligeramente el lugar donde ocurre.
Mi trabajo insiste en esa zona intermedia: allí donde el sentido no se impone, sino que se negocia.
¡Hola, clase! Os dejo por aquí mi vídeo con mi presentación y mi trayectoria. Más abajo dejo un PDF con mi texto de referentes artísticos. NOTA: También estoy haciendo unos cambios en el Folio para que se vea más como un Portfolio y menos como un Blog Académico…eso sí, en monitor he conseguido que se vea como pensaba, pero en el móvil se me descoloca todo, si alguien sabe cómo arreglarlo se lo agradecería muchísimo. Os dejo un enlace a…
¡Hola, clase! Os dejo por aquí mi vídeo con mi presentación y mi trayectoria. Más abajo dejo un PDF con mi texto de referentes artísticos. NOTA: También estoy haciendo unos cambios en el Folio para que se vea más como un Portfolio y menos como un Blog Académico…eso…
¡Hola, clase! Os dejo por aquí mi vídeo con mi presentación y mi trayectoria. Más abajo dejo un PDF…
¡Hola, clase!
Os dejo por aquí mi vídeo con mi presentación y mi trayectoria. Más abajo dejo un PDF con mi texto de referentes artísticos.
NOTA: También estoy haciendo unos cambios en el Folio para que se vea más como un Portfolio y menos como un Blog Académico…eso sí, en monitor he conseguido que se vea como pensaba, pero en el móvil se me descoloca todo, si alguien sabe cómo arreglarlo se lo agradecería muchísimo. Os dejo un enlace a mi Folio: https://irarroyom.folio.uoc.edu/
Me ha encantado tu trabajo. Se nota muchísimo todo el camino que has hecho y cómo lo cuentas con tanta claridad y sinceridad. Me ha parecido muy interesante cómo conectas tus referentes con tu proceso y cómo explicas tu evolución de una forma tan natural. Gracias por compartirlo, de verdad ha sido un gusto leerlo.
Pd; La manera en que conectas la construcción de la imagen con su dimensión social y, finalmente, con los sistemas e interacciones, crea un hilo muy coherente y potente.
¡Muchas gracias! Me alivia bastante que lo hayas visto coherente porque todas esas decisiones han sido fruto de años y no quería que parecieran saltos, ya que no lo fueron, sino etapas que se han ido superponiendo unas con otras…
¿Eres parte de la comunidad? Accede para ver más publicaciones.
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.
¡Hola, Carla!
Ahora que he leído tu propuesta con calma, en líneas generales es un proyecto que veo muy potente, tanto conceptual como estéticamente. Me ha interesado mucho no solo que sea un gesto de agradecimiento, sino la estructura, la red que estás construyendo con esta idea. Aquí me encaja muchísimo una frase que has dicho en el Statement: «Mis obras no buscan ser perfectas, buscan ser honestas»…está frase me parece súper directa y profundamente coherente con el resto del proyecto, ya que transmite que nace de un sentimiento genuino de cariño, de un homenaje sincero.
Quiero destacar también cómo has articulado todo el proceso en fases porque no lo veo sólo como una metodología técnica o un cronograma, sino que parece una metáfora de cómo se construye la identidad; incluso veo un poquito de reflejo de los rituales que haces antes de ponerte a dibujar. Muestras todo el proceso como un modo distinto de aproximarte a esas mujeres y a ti misma. Empiezas desde una observación íntima de tu entorno, encarnas las imágenes en un soporte, las expandes simbólicamente y, finalmente, las enlazas entre ellas mediante el hilo. No me parece una secuencia casual, me parece más bien que está formando un símil de tu propio punto de vista de la identidad como algo tejido y no simplemente dado. Además, creo que ese autorretrato forja toda esa relación, no estás fuera del entramado, estás dentro.
También me ha llamado la atención la cita de Bourriaud que has incluido al principio de la introducción ya que creo que tu proyecto encaja muy bien con esa idea, que efectivamente tu propuesta funciona como una «duración por experimentar» ya que no tiene que tratarse de un mural final, sino que se puede expandir…igual que no es sólo el resultado sino todo ese proceso que estás describiendo (ya sabes que yo estoy un poco obsesionada con ver la obra de arte en el proceso): coser, recordar, mirar, resignificar, pintar, volver a mirar…Me parece que ahí se activa una dimensión relacional desde el tiempo, no sólo desde el encuentro puntual.
Como te había dicho en mi post, en mi respuesta a tu comentario, me ha gustado muchísimo ver y analizar cómo nuestros proyectos dialogan desde lugares distintos. En el mío la transformación pasa por el sistema y la mediación tecnológica y, en el tuyo, por el gesto manual y el vínculo con el hilo…pero en ambos hay una red que construye y sostiene la imagen. Quizá, si en algún momento tuviéramos la oportunidad de colaborar y provocar un encuentro entre proyectos, podríamos explorar ese cruce y ver qué sucede cuando el hilo y el código se encuentran.
Muchas gracias por compartir un proyecto tan honesto, coherente y, en general, tan cuidado. Se nota que lo estás haciendo desde la experiencia y el cariño.
Un abrazo!!
¡Hola Irene!
Perdona que te responda recién ahora, acabo de leer tu comentario con calma y de verdad te agradezco muchísimo todo lo que has escrito. Me parece un feedback súper generoso y muy constructivo.
Me ha emocionado que hayas visto esa honestidad que intento mantener en el proyecto, porque para mí es lo que lo sostiene todo. También me sorprendió para bien cómo has leído la estructura en fases como una metáfora de identidad. No lo había pensado tan claramente, pero cuando lo mencionas tiene todo el sentido por al final, trabajar con estas mujeres y conmigo misma es también una forma de ir tejiendo algo que no está dado, que se construye paso a paso.
Me encantó también lo que dices sobre la cita de Bourriaud y la idea de “duración por experimentar”. Siento que mi proyecto vive mucho ahí, en el proceso, en el gesto, en el tiempo que se repite y se resignifica. Y me gusta que vos también lo leas así.
Y sobre lo que comentas de cómo dialogan nuestros proyectos… totalmente. Me parece precioso ese cruce entre tu mirada más tecnológica y la mía más manual. Son lenguajes distintos, pero ambos construyen redes, vínculos y formas de sostener imágenes. Ojalá en algún momento podamos explorar ese encuentro entre hilo y código, porque creo que podría salir algo muy especial.
Gracias de verdad por leer con tanta atención y cariño.
Un abrazo grande
Hola Carla!
Tu proyecto Hilos de mujer me parece muy interesante ya que conecta con ciertas inquietudes que también veo reflejadas en mi propuesta, en concreto en relación con la identidad y la memoria como elementos que se construyen mediante los vínculos con otras personas. En tu caso, esta exploración se centra en la genealogía femenina y en las relaciones afectivas entre mujeres, un aspecto que considero muy potente y significativo.
Asimismo, me resulta especialmente sugerente la forma en la que haces uso del hilo rojo como metáfora de conexión entre las diferentes historias y retratos, formando así una red simbólica que une experiencias personales y memorias compartidas. Considero que esta idea de identidad como un elemento que se teje colectivamente conecta con mi proyecto, ya que también me interesa trabajar la identidad como un proceso relacional que se construye mediante las experiencias y la relación con los demás.
Por último, creo que nuestras propuestas hacen uso de lenguajes similares y ambos comparten una dimensión relacional y afectiva que abre posibles espacios de diálogo. Es por ello por lo que podría ser interesante considerar futuras colaboraciones donde estas formas de trabajar la memoria y la identidad puedan encontrarse y enriquecerse mutuamente.
Un saludo y ánimo!
Nerea
¡Hola Nerea!
Gracias por tomarte el tiempo de leer mi propuesta y escribir un comentario tan cuidado. Me alegró mucho ver cómo encontraste puntos de cruce entre tu proyecto y el mío, sobre todo en esa idea de que la identidad y la memoria no se construyen solas, sino en relación con otras personas. Me parece muy valiosa esa lectura porque justamente es algo que intento trabajar desde un lugar sensible y cotidiano.
Lo que decís del hilo rojo me encantó. Para mí es un gesto simple, casi doméstico, pero que termina cargándose de un montón de sentido cuando empieza a unir historias y miradas. Que vos lo leas como una red simbólica me hace sentir que esa intención llega, que no queda solo en lo visual.
También me interesó mucho cómo conectás tu proyecto con el mío desde lo relacional. Aunque cada una trabaja desde lenguajes distintos, hay algo en común en esa búsqueda de entender quiénes somos a través de los vínculos. Me gusta pensar que, si en algún momento se diera una colaboración, podrían aparecer cruces inesperados entre nuestras formas de trabajar la memoria y la identidad.
Gracias de verdad por tu mirada tan atenta y por la energía linda que transmite tu comentario.
¡Un abrazo grande!